Les 10 meilleurs films modernes de la Seconde Guerre mondiale
'Anthropoïde'
Note de l'éditeur: cet article est présenté en partenariat avec la sortie de “; Anthropoid, ”; Bleecker Street ’; réalisé par Sean Ellis et avec Jamie Dornan et Cillian Murphy. “;Anthropoïde”; joue maintenant dans les théâtres.
Cette semaine, 'Anthropoid' cherche à rejoindre les rangs d'une histoire cinématographique riche et complexe: les films sur la Seconde Guerre mondiale. Un conflit mondial qui a produit des histoires mondiales, la Seconde Guerre mondiale continue d'être la base de films qui remettent en question nos perceptions. 'Anthropoid' découvre un épisode avant l'arrêt des combats, se concentrant sur la tentative d'assassiner le général SS Reinhard Heydrich. L'écrivain / réalisateur Sean Ellis utilise la mission de la vraie vie comme toile de fond pour un ensemble talentueux, dont Cillian Murphy, Jamie Dornan et Toby Jones.
Les meilleurs de ces films modernes de la Seconde Guerre mondiale ne perdent jamais de vue l'idée qu'il s'agissait d'un conflit mené par des individus. Leurs armes et leurs idéologies étaient variées, mais c'était une histoire guidée par des gens difficiles à classer dans de simples colonnes morales. Certaines de leurs luttes personnelles sont venues représenter le conflit qui en a enveloppé tant, mais ces histoires spécifiques ont laissé des traces indélébiles dans notre conception d'une guerre qui s'est terminée il y a plus de sept décennies.
Sauver le soldat Ryan
Il y a des films de guerre avant “; Saving Private Ryan, ”; et des films de guerre après avoir sauvé le soldat Ryan. ”; Aucun autre film sur cette liste n'a fait plus pour changer fondamentalement la façon dont nous envisageons le plus grand conflit armé du 20e siècle, et aucun autre film sur cette liste n'a fait plus pour changer fondamentalement la façon dont nous le représentons à l'écran. Le chef-d'œuvre de Steven Spielberg en 1998 a changé le jeu en nous rapprochant plus que jamais de l'action, à commencer par la séquence de Normandy Beach incomparablement viscérale qui a capturé le spectacle d'horreur grotesque d'une invasion et nous les a montrés comme si nous étions là sur le sable de France. En se concentrant sur la valeur d'une seule vie humaine à travers une série de batailles au cours desquelles des hommes courageux sont tombés comme des mouches, “; Saving Private Ryan ”; ravivé notre amour des films de la Seconde Guerre mondiale en dépouillant le genre de son placage romantique. - David Ehrlich
Le pianiste
La victoire du meilleur réalisateur de Roman Polanski a été l'une des plus surprenantes de l'histoire des Oscars. Pour Polanski, qui, enfant, a survécu au ghetto de Cracovie après avoir perdu sa mère, le film sur la lutte d'un musicien juif polonais (joué par Adrien Brody) pour rester en vie après que les nazis ont envahi la Pologne est clairement et profondément personnel. Bien que le métier de réalisateur derrière le film soit du pur Polanski, il se distingue comme l'un des récits les plus simples et les plus ironiques du réalisateur. Le film est une histoire remarquablement simple - dépourvue de complots conçus pour nourrir les émotions du public - sur la survie au milieu de la destruction. Néanmoins, son examen discret et sans prétention de la vie, de l'art et du mal est l'un des films les plus émouvants jamais réalisés. - Chris O’Falt
Livre noir
Le film Black Book du réalisateur Paul Verhoeven est composé de trois films réunis en un seul. À un certain niveau, c'est un thriller au bord de votre siège sur une jeune femme juive (Carice van Houten) qui échappe aux nazis et rejoint ensuite un mouvement de résistance agressif et risqué. C'est aussi un espion, une histoire quasi-amoureuse, car l'héroïne devient un agent infiltré infiltrant le Troisième Reich et développe des sentiments pour sa marque. Masqué sous le danger de mort ou de mort, les côtés amusants et souvent sexy, et quelques rebondissements incroyables, le toujours subversif Verhoeven ne peut pas se résoudre à faire un simple film sur le bien contre le mal, même dans le contexte de la Seconde Guerre mondiale. - CO
Expiation
Chaque film de la Seconde Guerre mondiale est triste d'une manière ou d'une autre, mais peu (le cas échéant) sont aussi profondément dévastateurs que Joe Wright ’; s “; Atonement, ”; qui a capturé chaque cuillerée de dévastation que Ian McEwan a écrit dans son roman du même nom, et les a servis avec un nouveau degré d'intensité déchirante. Divisé en trois parties distinctes (chacune aggravant la tragédie de la précédente), le film raconte l'histoire d'une femme britannique riche (Keira Knightley), le fils du serviteur avec qui elle partage un rendez-vous fatidique (James McAvoy), et la petite fille dont le manque de discrétion perturbe leurs chances de bonheur et éloigne le couple en spirale. Enfilant un récit délicatement personnel des jours précédant Dunkerque au futur lointain qu'il a façonné, “; Atonement ”; est un exemple déchirant de la façon dont chaque guerre mondiale est la somme d'un million d'odyssées intimement personnelles. - De
Inglourious Basterds
Quentin Tarantino a emprunté le nom - mais pas l'orthographe - d'un film de guerre de la fin des années 70 pour son film de 2009 & Inglourious Basterds, ”; une autre histoire de la Seconde Guerre mondiale sur un groupe de soldats juifs américains en mission pour assassiner les dirigeants nazis. Le film n'est pas un remake, mais il existe des similitudes entre les hooligans assoiffés de sang de Tarantino dirigés par le lieutenant Aldo Raine (Brad Pitt) et les soldats-criminels ragtag dans l'original “; Bastards. ”; Malgré sa prémisse fictive, “; Inglorious Basterds ”; est une représentation vivante de la France occupée par les nazis qui sert également de toile parfaite à la violence graphique de Tarantino. Entre autres choses, le film restera dans les mémoires pour la percée de l'acteur austro-allemand Christoph Waltz, qui a remporté l'Oscar du meilleur second rôle pour son interprétation de l'officier nazi SS, le colonel Hans Landa, l'un des personnages les plus méchants et les plus convaincants de ces dernières années. histoire cinématographique. - Graham Winfrey
Stalingrad
Il était tout à fait approprié que la Russie fasse sa première incursion dans le monde sauvage du cinéma IMAX 3D avec la vision à grande échelle de Fedor Bondarchuk sur la bataille de Stalingrad. Un peu maladroitement encadré par une tragédie des temps modernes - le tremblement de terre et le tsunami japonais de 2011 - le film atteint son rythme de croisière quand il emmène son public dans la misère sans faille de la campagne de 1942 qui a fait près de 2000000 de victimes des deux côtés de la bataille. Malgré les antécédents russes et la bonne foi du film, le long métrage de Bondarchuk s'efforce de montrer les deux côtés de la bataille, en alternant entre des soldats allemands et un contingent russe. Malgré la nature explosive du film - IMAX 3D, bonjour - le film est à son meilleur en creusant dans le lien émotionnel profond entre la jolie orpheline Katya et le groupe de soldats russes qui deviennent ses protecteurs (et celui qui vient pour être beaucoup plus). Le cinéma à grande échelle est assez impressionnant, mais les tentatives du film d'équilibrer la guerre avec l'amour, l'allemand avec le russe, la douleur avec l'espoir sont ce qui le distingue vraiment. - Kate Erbland
Fureur
David Ayer a fait ses preuves avec «Fury», un drame viscéral de chars de la Seconde Guerre mondiale. Avec Logan Lerman et Brad Pitt, et mettant en vedette des tours de soutien incroyables de la part de Michael Peña et Shia LaBeouf, 'Fury' suit un équipage de chars de cinq hommes alors qu'ils se lancent dans une mission déchirante pour briser une offensive nazie. Ayer a toujours été un metteur en scène obsédé à la fois par la violence extrême et les liens de fraternité / famille, et «Fury» représente la synthèse la plus puissante de ses deux passions. Son casting crée sans effort une histoire partagée entre leurs personnages, tandis que la violence infligée et reçue peint le choc et la crainte de la guerre avec une spontanéité nauséabonde. Examiner la perte de l'innocence en temps de guerre n'est pas nécessairement une nouvelle idée, mais la recréation sombre et brutale des combats d'Ayer (et l'intensité claustrophobe d'être à l'intérieur d'un réservoir pendant eux) crée un film de guerre qui semble tout à fait nouveau. - Zack Sharf
Le vent se lève
Le Studio Ghibli n'est pas étranger aux portraits riches et dévastateurs du Japon de la Seconde Guerre mondiale, après le classique d'Isao Takahata de 1988, «Grave of the Fireflies». La chanson du cygne de 2013 du cofondateur de Ghibli, Hayao Miyazaki, est plus sur le début du conflit que son conséquences, mais le pouvoir émotionnel est toujours là dans sa gloire finement dessinée. Ce biopic animé du designer aéronautique japonais Jiro Hirokoshi ne perd jamais de vue la puissance de ses créations, faisant un méchant non pas de l'homme, mais de la manipulation des chasseurs Mitsubishi qu'il a conçus. L'un des efforts les moins fantaisistes de Miyazaki (malgré le tissage de visions et de rêves des idoles de Jiro), le film est toujours un hommage doux-amer au pouvoir de l'invention et de la découverte. En tant que déclaration finale de l’un des talents titanesques de l’animation, l’histoire de Jiro reflète les merveilles et les conséquences jumelles des activités artistiques en ces temps incertains. - Steve Greene
Ininterrompu
L'aventure de survie de Harrowing World War II ”; Unbroken »n'aurait pas été produite sans une puissante étoile derrière elle. Pour son deuxième concert de mise en scène, Angelina Jolie a fait l'histoire de Louis Zamperini immortalisée par Laura Hillenbrand avec un budget de 65 millions de dollars d'Universal: modeste pour un film de guerre d'époque avec des scènes dans l'air, sur l'eau et dans un camp de prisonniers japonais. Jolie a jeté le film de manière créative, traquant l'acteur britannique dur Jack O ’; Connell pour le rôle principal et l'élégante star du rock japonais Miyavi en tant qu'officier japonais sadique qui choisit Zamperini pour abus chronique. Dès le début, Jolie a voulu utiliser la confrontation dramatique entre le camp de prisonniers et 'l'oiseau' et Zamperini en train de porter un gros faisceau comme moment culminant du film. Le réalisateur l'a vu comme deux pistolets qui tentaient de savoir qui allait tirer le premier et qui allait survivre. Jolie a livré un beau récit simple et bien joué avec un degré de difficulté élevé qui n'a jamais été facile à vendre. - Anne Thompson
Fils de Saul
Dès que “; Fils de Saul ”; joué en compétition aux raves et aux prix à Cannes 2015, il était inévitable qu'il remporte l'Oscar en langue étrangère. Le thriller unique de la Seconde Guerre mondiale a été réalisé par deux spécialistes de l'Holocauste. Le réalisateur débutant László Nemes a travaillé comme assistant réalisateur en France et en Hongrie (avec Béla Tarr) avant de rencontrer la poète Géza Röhrig à New York lorsque Nemes étudiait la réalisation de films à NYU. Röhrig fait ses débuts en tant que Saul, un prisonnier de guerre juif à Auschwitz en 1944. Nemes ’; La caméra 35 mm étroitement focalisée suit le point de vue des yeux fermés du Sonderkommando en gros plan comme il le fait avec les nazis ’; sale travail dans les crématoires, se déplaçant dans le camp, cherchant à enterrer un jeune garçon non identifié. L'action immersive du film et la conception sonore complexe en couches révèlent l'ampleur hideuse du massacre de masse des Juifs. Inspiré du livre «Voices from Beneath the Ashes», ”; mettant en vedette des témoignages de Sonderkommando qui ont enterré leurs témoignages, Nemes fonde son récit sur le fonctionnement quotidien authentique et tangible d'une usine à mort. Ce n'est pas vite oublié. - À
Note de l'éditeur: cet article est présenté en partenariat avec la sortie de “; Anthropoid, ”; Bleecker Street ’; basé sur l'extraordinaire histoire vraie des agents tchécoslovaques ’; mission d'assassiner l'officier SS Reinhard Heydrich. Réalisé par Sean Ellis et avec Jamie Dornan et Cillian Murphy, “;Anthropoïde”; joue maintenant dans les théâtres.
