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25 films de braquage préférés de tous les temps

Depuis 1903 'Le grand vol de train«Le cinéma a pratiquement été inventé tel que nous le connaissons (la première utilisation de la coupe transversale, du mouvement de la caméra et de la prise de vue sur place), le film et l'image du braquage sont indissociables. Peut-être que c'est l'attrait évasif du hors-la-loi, peut-être que c'est la haine des gens envers les banques, ou peut-être que cet acte de voler des choses qui ne vous appartiennent pas est intrinsèquement cinématographique, mais la forme est toujours populaire depuis plus d'un siècle maintenant. Bien qu'il ne soit jamais vraiment parti, et ne le sera probablement jamais, les derniers mois ont vu une multitude de nouvelles entrées, du sublime ('Inception', qui malgré ses atouts de science-fiction est vraiment un bon film de câpres à l'ancienne) à le ridicule (Hayden Christensen et son chapeau de tarte au porc éminemment perforable dans «Takers»). 'The Town' de Ben Affleck arrive en salles aujourd'hui, et bien qu'il s'agisse d'un morceau de personnage sur les voleurs de banque dans les rues de Boston, il est construit autour de trois séquences de braquage captivantes et bien exécutées parmi les meilleures que nous ayons vues depuis longtemps. En l'honneur de ce film, nous avons dressé une liste de nos films de braquage préférés; ceux qui nous éblouissent à chaque fois que nous leur donnons un spin.

Certains des films dont nous discutons sont projetés au Film Forum sur West Houston Street dans une excellente série de doubles billets du 1er au 21 octobre, donc si les lecteurs de New York ne connaissent pas ces titres, vous devriez certainement les vérifier. Le reste d'entre nous n'aura qu'à remplir cette file d'attente Netflix…

'La lavande Hill Mob»(1951)
Tous les films ne peuvent pas dire qu'il a donné naissance à un sous-genre entier, mais la comédie de braquage, vue depuis dans tout, de «To Catch A Thief» à «Bottle Rocket», n'existait pas vraiment avant «The Lavender Hill Mob» de 1951. . »L'une des meilleures des comédies d'Ealing, elle met en vedette Alec Guinness en tant que timide employé de banque (dans une grande performance nominée aux Oscars) qui propose un plan pour voler des lingots d'or de son lieu de travail. En faisant équipe avec un groupe d'escrocs improbables (Stanley Holloway, Alfie Bass et le grand Sid James), ils découvrent qu'ils peuvent faire passer les lingots en France et les faire fondre, déguisant leur butin en souvenirs de la Tour Eiffel. Comme une version comique de 'The Killing' de Kubrick, le cambriolage se déroule sans accroc, mais tout se désagrège au lendemain, car un malentendu voit les statues vendues comme de véritables souvenirs. C'est étrangement captivant - le film a été initialement conçu comme un drame droit - et le réalisateur Charles Crichton (qui, à l'âge de 78 ans, dirigeait un autre classique de la comédie britannique, «A Fish Called Wanda») avait l'une des mains de bande dessinée les plus sûres de l'entreprise. , mais ce qui est impressionnant, c'est le niveau de pathos que Guinness et Holloway génèrent: vous voudrez que le groupe réussisse, et vu que c'est une comédie, la fin est profondément émouvante. Gardez les yeux ouverts pour une jeune Audrey Hepburn aussi.

'L'affaire Thomas Crown»(1968)
L'hybride caper / romance de Norman Jewison est une tranche éblouissante et irrésistible d'évasion pop des années 60, traversée par un subtil ressenti de cynisme sombre. Steve McQueen est l'anti-héros éponyme, un millionnaire laconique et à la recherche de sensations fortes qui orchestre un vol de banque audacieux à Boston - en grande partie par ennui. Faye Dunaway est son fleuret Vicki Anderson - un enquêteur en assurance uniquement dans les films via le podium de Milan et la couverture de Vogue. Toutes sortes de manigances élégantes pour chat et souris s'ensuivent, y compris le concours d'échecs «érotique» à juste titre infâme, que Jewison met en scène comme un décor baroque, presque psychédélique. Il est facile de voir Crown simplement comme une orgie d'accomplissement de souhaits hédonistes, et à ces seules conditions, le film sort vraiment de l'écran. La direction de Jewison est un sac de trucs vertigineux et propulsif - le montage est vif, plein d'esprit et orienté vers la punchline, la bande sonore éclectique et l'utilisation de l'écran partagé vraiment gratuit. Le glamour et les jouets chers abondent. Cependant, ce câlin n'est pas sans une certaine obscurité - Jewison a envisagé Crown comme une romance entre deux âmes narcissiques vides, une 'histoire d'amour entre deux merdes' - et une certaine mélancolie se glisse alors que la paire se rend compte à quel point ils sont piégés dans leur propre estime cynique. Thomas Crown a la richesse et la respectabilité, mais il ressent un besoin constant de prendre des risques et de se retourner contre le système - un rôle étrangement apte, presque autobiographique pour McQueen. Le remake de John McTiernan n'est pas mal non plus, mais pas un patch sur l'original de Jewison.

“;The Hot Rock”; (1972)
Rédigé par l'écrivain William Goldman, deux fois primé aux Oscars (“; Butch Cassidy & The Sundance Kid, ”; “; All The President’s Men ”;) et employant une partition jazzy et chargée de bongo de Quincy Jones, Peter Yates ’; le huitième long métrage est un produit de son époque et pourrait être considéré comme une image par excellence des années 70 dans la mesure où il est caractérisé par de nombreuses pierres de touche de cette période; un rythme laconique et bavard, un esprit sec et comique et une réalité qui caractérisent la décennie du cinéma américain. Avec Robert Redford, le toujours superbe et sous-estimé George Segal, les acteurs du personnage Ron Leibman, Moses Gunn et la légende comique Zero Mostel, “; The Hot Rock ”; a en fait été étiqueté comme un câlin comique lors de sa sortie, mais son humour est assez sous-estimé par les normes d'aujourd'hui. Cependant, il est indéniable que le film a un ton lâche et aéré qui le rend facilement observable. Comparé à certains de ces autres classiques de pierre froide, l'image de Yates pourrait sembler un peu légère ici, mais c'est peut-être un modèle discret important que d'autres suivraient; le plus important dans Wes Anderson ’; s “; Bottle Rocket ”; - s'il le savait activement ou non.

'Ocean’s Twelve»(2004)
«Ocean’s Eleven» de Steven Soderbergh est une œuvre élégante et divertissante, l’un des rares remakes qui surpasse l’original. Mais c'est la suite, 'Ocean’s Twelve' de 2004, qui est le choix de la trilogie pour les cinéphiles: un film plus lâche qui est un pur plaisir du début à la fin. Endetté envers les films de la Nouvelle Vague européenne, c'est l'une des images les plus formellement expérimentales de Soderbergh, et le regarder s'en tirer dans une tente de studio est d'autant plus excitant. Oui, la scène Julia-Roberts-joue-un-personnage-qui-joue-Julia-Roberts à la fin est un peu béat, mais pour la plupart, c'est une image ingénieuse et agréable, et qui ne mérite pas la critique l'éviscération qu'il a reçue à sa sortie: en effet, il est devenu quelque chose d'un favori de la Playlist au fil des ans. Et en tant que film de cambriolage, il est inégalé au cours de la dernière décennie, avec un certain nombre de décors (notamment la séquence de capoeria Vincent Cassel, présentée à la suggestion de l'acteur), qui bat n'importe quoi dans les goûts de 'Takers'.

'Inside Man»(2006)
Jusqu'à ce qu'il l'ait mis en bouteille avec 'Miracle At St. Anna' (bien que même ce film ait ses défenseurs ici), Spike Lee était en assez bonne voie au milieu des forces. 'The 25th Hour' était l'un des meilleurs films de la décennie, et 'When The Levees Broke' était l'un des meilleurs documentaires. Entre ces deux-là, il a livré facilement son film le plus populaire à ce jour, le casse-tête 'Inside Man'. Bien qu'il ait d'abord semblé plutôt générique, il s'est avéré non seulement être un film divertissant sans effort pour les adultes, mais il s'est également avéré être un Spike Lee Joint de part en part. Alors que le complot était certes tiré par les cheveux, la vanité centrale du braquage était suspensive et imprévisible, et le casting était uniformément formidable, ayant clairement le temps de leur vie: Denzel Washington louche, lâche et sympathique, Clive Owen acerbe, ironique et mercenaire, et Jodie Foster donne peut-être la meilleure performance que nous ayons vue d'elle depuis une décennie, dans le genre de rôle qu'elle joue rarement ces jours-ci. Et cela sans mentionner Chiwetel Ejiofor, Willem Dafoe, Christopher Plummer ou l'ensemble typiquement new-yorkais dynamique Lee collecté. Il est également hilarant de manière inattendue et cohérente, tourné avec un style et un style flamboyant des années 70 et une image de New York à travers.

“;Col bleu”; (1978)
Préhensible, tranquillement intense et tragique (cet écrivain était totalement déprimé après l'avoir regardé), les débuts de réalisateur de Paul Schrader en 1978 (deux ans seulement après avoir écrit “; Taxi Driver ”;) est un effort incroyablement sous-estimé et sous-estimé dans le corps du cinéaste tacheté de travail (nous le qualifierons momentanément). Qu'il soit écrit ou réalisé (ou dans ce cas les deux), le travail de Schrader dans les années 1970 («Rolling Thunder», «Obsession», «Hardcore»), était presque toujours préoccupé par la décadence américaine post-Vietnam / post-Nixon et cette préoccupation. n'a peut-être jamais été mieux illustré que dans “; Blue Collar. ”; Avec Harvey Keitel, Yaphet Koto et, dans un rare tournage dramatique, Richard Pryor, le film se concentre sur trois travailleurs de l'automobile de Detroit mécontents qui, fatigués de leurs bas salaires et de la maltraitance de leur syndicat et de leurs patrons inefficaces, élaborent un plan pour voler leur syndicat et rsquo ; s sûr. Un effort bâclé dès le départ, le plan commence à se défaire rapidement lorsque le trio découvre l'opération illégale de prêt de l'organisation du travail et que l'anxiété monte à cause de la montée de l'enquête criminelle. Les premiers films de Schrader étaient tous bouillonnants d'indignation et de fureur presque incontrôlables, qui avaient probablement quelque chose à voir avec son éducation calviniste réprimée, mais jamais une image de casse n'a été aussi vitriolique à ses débuts, puis déchirante dans sa disparition. Le film met également en vedette Ed Begley Jr. et possède une partition du vénérable Jack Nitzsche.

'The Getaway»(1972)
Basé sur un roman du poète lauréat de la pâte dure Jim Thompson, réalisé par le favori féministe Sam Peckinpah, et mettant fermement en vedette un Steve McQueen au milieu d'une rupture de mariage imbibée de cocaïne, 'The Getaway' sort d'un brouillard dense de testostérone : il n'y a pas plus de garçons la nuit que ça. Ali McGraw (quelque peu erronée, avec un effet parfois charmant) utilise ses ruses pour libérer son mari «Doc» McCoy (McQueen) de la prison. Après un vol de banque bâclé, la paire se chamaille avec le butin, poursuivie par des flics de chair à canon et une variété de crétins, dirigée par l'étonnant répulsif et malveillant Rudy (Al Letteria). Inévitablement, tout se termine par un bain de sang à El Paso et une tendre réconciliation pour les amoureux de la vraie vie. Ce n'est en aucun cas Peckinpah de haut niveau; lui et McQueen étaient désespérés pour un succès sans faille après l'échec commercial de 'Junior Bonner' (1972). Néanmoins, tous les agrafes sont là - montages incroyablement édités, ballet slo-mo breveté - et 'The Getaway' est un film d'action solide et direct qui est toujours amusant de se promener au milieu de la télé de fin de soirée Peut-être pas Robert Evans 'le film préféré cependant ...

'Bob Le Flambeur»(1956)
L'importance de «Bob Le Flambeur» ne peut pas être surestimée. Aux côtés de «Rififi», il a représenté la naissance d'une nouvelle école - une sensibilité à la fois américaine et française, et a réussi l'exploit rare d'être à la fois sans vergogne dérivé et palpablement nouveau. Tourné sur une chaîne dans les rues de Paris, utilisant souvent la lumière naturelle et des techniques de bricolage, Bob est également le précurseur clair de 'A bout de souffle' et de toute l'éthique de la Nouvelle Vague. Cela aurait facilement pu être juste un autre riff sur la bible du film de Huston 'The Asphalt Jungle', mais Melville utilise à la place la structure de base de 'Jungle' pour développer une étude ironique et comique d'un personnage et de son milieu. En tant que tel, l'anti-héros titulaire de Roger Duchesne est l'une des premières et meilleures explorations de l'écran du joueur compulsif, pour qui le risque est un mode de vie, une vocation existentielle. Pour cette raison, le film de Melville est mieux compris comme sapant ses attentes de genre, comme un film anti-casse à certains égards. Mais il va au-delà du genre pour devenir beaucoup de choses - un hymne poétique à Paris et la vie de ses habitants marginaux et nocturnes, une élégie classique de chevalerie et d'honneur révolus dans un monde crépusculaire, et une exploration ironique des opérations inexplicables du hasard, comme vu à travers les yeux d'un joueur émouvant. Un travail de formation clé de l'un des architectes cruciaux de l'image Heist.

'Le conducteur»(1978)
Le Walter Hill de la fin des années 1970 / début des années 1980 était un méchant complet et absolu. Des films comme «The Warriors», «Southern Comfort», «48 Hours» et «Streets of Fire» établissent des normes esthétiques et regorgent de punch à la testostérone, il est donc quelque peu triste que sa récente sortie théâtrale ait été si boiteuse. canard («Supernova», «incontesté»). Le style viril de Hill est apparu avec le film The Driver de 1978, un film maigre et méchant de poursuite / braquage de voiture avec une performance silencieusement puissante de Ryan O ’; Neal en tant que personnage titulaire au centre. Le personnage sans nom de Neal vole des voitures qu'il conduit ensuite lors de vols et qui conduisent souvent à des poursuites en voiture élaborées et bien organisées. Bruce Dern est le flic dévoué qui essaie de retrouver O Neal qui ne recule devant rien pour récupérer son homme. En ce qui concerne l'intrigue, c'est assez standard. Mais ce à quoi Hill a toujours excellé, c'est de présenter des hommes dans des actions violentes, et «The Driver» ne fait pas exception. Le cinéaste danois Nicolas Winding Refn (le brillant «Bronson», «Valhalla Rising») est sur le point de commencer le tournage de son opus de chauffeur en fuite, «Drive», avec Ryan Gosling, qui semble qu'il va hocher la tête; sera-t-il l'équivalent de ce classique de Walter Hill pour une nouvelle génération?

«City On Fire»(1987)
Un flic infiltré s'infiltre dans un cercle de voleurs de diamants seulement pour voir leur dernier vol de diamants mal tourner. Semble familier? Non, ce n'est pas un remake de Hong Kong de “; Reservoir Dogs. ”; Sorti en 1987, cette action tendue a rempli le film à suspense de Hong Kong non seulement a poussé son réalisateur, Ringo Lam, sur la carte, mais a également associé Chow Yun-Fat avec le joueur sous contrat Shaw Brothers de 1970 Danny Lee pour la toute première fois (les deux reteam plus tard avec grand effet dans le séminal de John Woo “; The Killer ”;). Le film est marqué par des scènes d'action élégantes qui rendraient Sam Peckinpah fier ainsi qu'une myriade de plans indélébiles; Le film mémorable de la lumière diffusée par le film à travers un entrepôt criblé de balles, par exemple, a été rendu hommage / levé par Robert Rodriguez pour sa fin à “; From Dusk Til Dawn. ”; Yun-Fat donne l'une de ses performances les plus nuancées en tant que héros en conflit coincé entre ses engagements professionnels et ses liens personnels, tandis que Danny Lee est excellent en tant que chef de file des voleurs de diamants qui se réchauffe lentement vers le nouvel arrivant. Malgré certaines scènes de “; Reservoir Dogs ”; ressemblant étrangement à quelques scènes de “; City on Fire ”; et les deux films partageant généralement une intrigue, Tarantino maintient l'ignorance. Interrogé sur la ressemblance entre les deux films, Tarantino aurait plaisanté en disant qu'il mourait d'envie de voir [“; City on Fire ”;]. ”;

“;Temps droit”; (1978)
Pourtant, un autre classique sous-entendu des années 70, Ulu Grosbard ’; s “; Straight Time ”; mettant en vedette un virage fantastique de Dustin Hoffman en tant qu'ancien détenu essayant d'aller… (attendez) tout droit, est l'une de ces images lâches, laconiques, mais vives, de la décennie, à la craie pleine de moments souples qui se sentent comme s'ils étaient composé sur place. Avec également une jeune et charmante Theresa Russell, Gary Busey, Harry Dean Stanton, M. Emmet Walsh et Kathy Bates (que diriez-vous de cela pour un casting de tueur), Hoffman joue Max Dembo, un voleur de libération essayant de se faire remarquer à l'extérieur , mais constamment traqué par son dur agent de libération conditionnelle (Walsh). Il rencontre une jeune fille (Russell) qui le tente de rester en place, mais cela ne dure pas et bientôt le con de shoot-from-the-hip prévoit un autre braquage de bijoux élaboré avec ses copains. Co-écrit par Alvin Sargent («Paper Moon», «Ordinary People», les films de Sam Raimi «Spider-Man») et Jeffrey Boam («The Lost Boys», «The Dead Zone»), les vrais geeks du crime pourraient le savoir mieux que l'image basée sur le criminel de la vie réelle Eddie Bunker ’; s “; No Beast So Fierce ”; (Bunker a également co-écrit le scénario). Il est connu pour avoir joué Mr. Blue dans Tarantino ’; s “; Reservoir Dogs, ”; et, comme Danny Trejo, est reconnu comme une véritable icône de la vie au cinéma. Soit dit en passant, Trejo et Bunker se sont rencontrés pour la première fois à la prison d'État de Folsom. Michael Mann aurait également contribué au script à titre non crédité. Il suffit de dire que le film a un pedigree de crime majeur et est une coupe plus profonde incontournable dans le genre du film de braquage.

'Comment voler un million»(1966)
La comédie de William Wyler en 1966 est la définition même d'un film dont ils aiment ‘ ils ’; ne faites plus. Le plaisir mousseux et la chimie captivante entre Audrey Hepburn et Peter O ’; Toole (sûrement deux des plus belles personnes à avoir jamais vécu) semble sans effort, mais c'est vraiment un éclair cinématographique dans une bouteille, faisant du film une confection purement évasionnaire qui réussit complètement dans sa simple ambition: divertir et rien de plus. Et bien qu'il s'agisse moins d'un film de câpres comploté que d'une vitrine pour le gardien Givenchy de Hepburn, O ’; Toole ’; s scintillent amusé et quelques voitures à toit ouvert soignées et des emplacements français de classe supérieure, le braquage lui-même, impliquant un chef-d'œuvre truqué, un boomerang et une connaissance innée de la nature humaine, est en fait assez inventif, même si ce n'est vraiment qu'une excuse pour avoir nos deux protagonistes profondément attrayants confinés dans un petit espace clos pendant des heures. Que leurs contre-sens romantiques et leurs tromperies bien intentionnées (car bien sûr les deux se connotent également) finiront par se régler, cela ne fait aucun doute, mais bien que la fin puisse être prévisible, elle est également parfaitement satisfaisante - peut-être le film est formule, mais c'est une rare occasion où la formule fonctionne totalement. C'est une substance insignifiante de lumière comme une bulle, et si elle ne résiste pas à un examen particulièrement attentif, pourquoi voudriez-vous même approfondir lorsque ses charmes de surface sont si considérables?

“;Fusée en bouteille”; (1996)
Nous donnerions probablement notre noix de gauche si Wes Anderson revenait à ce style de cinéma discret mais brillant, mais cela ne se produira probablement pas avant qu'il ne se dissipe avec la vieillesse et ne se remette de ses tics stylistiques. Quoi qu'il en soit, il y a une raison pour laquelle cette comédie pleine d'entrain sur trois amis qui font trois voleurs complètement pathétiques et incompétents est sur la liste de Martin Scorsese comme l'un des meilleurs films des années 90. Oubliez plus tard les films de type diorama surchargés excentriques d'Anderson, “; Bottle Rocket ”; repose près du sommet de son plus beau travail, à des mondes loin de la stérilité froide de 'The Life Aquatic' ou 'The Darjeeling Limited'. Marquant les premières apparitions de Luke et Owen Wilson (et certains de leurs meilleurs travaux aussi), plus le maintenant disparu Robert Musgrave, “; Bottle Rocket ”; est plus un film sur l'amitié et les rêveurs naïfs que sur une photo traditionnelle, mais c'est peut-être ce qui le rend si brillant. Né de Tarantino-wannabe-isms, heureusement, au moment où ‘ Rocket ’; a frappé l'écran, il était entièrement quelque chose en soi (et a été récompensé en tant que tel en étant systématiquement ignoré par les amateurs de théâtre). Plein de charmante comédie souterraine à faible éclairage, l'image ne tord pas non plus sur son braquage réel et présente un point culminant trop drôle qui dépeint ces imbéciles bousillant leur schéma étroitement planifié (“; je ne l'ai pas ’; je ne l'ai pas, je perdu mon contact, ”; Kumar entonne hilarante). Soumis, plein d'esprit et drôle, “; Bottle Rocket ”; est un petit bijou.

'Touchez Pas au Grisbi»(1954)
Toutes mes excuses à Marcello Mastroianni et George Clooney, mais l'un des gentlemen les plus suaves et débonnaires à avoir jamais décoré le paravent était l'acteur français Jean Gabin. Mieux connu des cinéphiles pour ses films des années 30 et 40 avec le grand Jean Renoir, Gabin était alors une grande star, mais a connu quelques décennies, jusqu'à ce que ce film le remette au sommet. Dans le thriller de Jacque Becker (traduit «Ne touchez pas au butin»), Gabin incarne un vieux gentleman qui veut prendre sa retraite tout en s'améliorant et pense que c'est le plan après un braquage d'or réussi. Cependant, comme la plupart de ces histoires disparaissent, il est facile d'entrer dans le jeu, ce qui le rend beaucoup plus difficile. Bientôt, il apprend qu'un autre gangster rival et patron du crime brutal (Lino Ventura, qui réapparaîtra bientôt) a entendu parler de son score par sa petite amie, une jolie fille jouée par une très jeune Jeanne Moreau. Le patron du crime impitoyable de Ventura donne au Gabin le choix de renoncer à l'argent ou de mourir, et ce qui s'ensuit est un jeu tendu de chat et de souris. 'Touchez' peut être bavard et lent, mais la seconde moitié augmente la tension alors que les enjeux sont augmentés et que des amis sont kidnappés, et la finale explosive contient une séquence d'action aces qui est passionnante pour son temps et toujours complètement engageante. Michael Mann est sûrement un fan, comme vous pouvez sentir l'influence de ce film tout au long de sa carrière.

'Le prisonnier espagnol»(1997)
Pour son cinquième effort de réalisateur, David Mamet est revenu dans le monde des ruses et des hommes de confiance. Cette fois-ci, la marque est Joe Ross (Campbell Scott, toujours sous-estimé), un inventeur brillant mais naïf du “; Process, ”; une formule vaguement définie qui est censée prédire les marchés mondiaux et, naturellement, vaut une fortune. Ross travaille pour M. Klein (Ben Gazzara) qui promet à Ross qu'un gros salaire sera en magasin dès qu'il pourra vendre le “; Process. ”; Alors que dans les Caraïbes pour une réunion avec des investisseurs potentiels, Ross rencontre Jimmy Dell (Steve Martin, peu avant le début de sa période de “; agir pour financer ma collection d'art contemporain et ma carrière de banjo '), un étranger insouciant et riche. Les deux se rencontrent à nouveau à New York et une amitié s'ensuit. C'est à ce stade que plus d'un résumé de l'intrigue ne rendrait pas service au script chargé de torsions de Mamet. Fait intéressant, Mamet a décidé de changer ses paramètres habituels: au lieu de passer leur temps dans des bars et des salons de poker enfumés, les personnages du film se retrouvent dans des clubs de pays et des restaurants exclusifs, avec des extérieurs de jour remplaçant les ruelles nocturnes sombres de Mamet précédent. films. Tout en conservant le staccato familier de Mamet, les personnages parlent sur un ton affecté et poli (le film a obtenu une cote PG, de sorte que les bombes F de “; Glengarry Glen Ross ”; sont inexistantes). Ce changement ne fait que souligner une leçon familière du film: les choses ne sont pas toujours ce qu'elles semblent être. Et pour les fans de “; The Wire ”; gardez l'œil ouvert pour une brève apparition de l'inimitable sénateur Clay Davis.

'Voleur' (1981)
Le “; un dernier travail ”; le genre est presque aussi vieux que le médium lui-même, mais depuis le voleur de Michael Mann ”; ”; tous les cinéastes tentant d'explorer un tel trope n'ont pas pu atteindre les mêmes hauteurs. James Caan est l'intrigant éponyme, tout coudé et machiste, qui a du mal à s'appuyer sur des alliances rocailleuses lorsqu'il cherche désespérément un panneau de sortie de sa profession. Quand les gens essaient de muscler un jeune James Caan au torse de vie décente, vous savez que vous avez affaire à de mauvais gars. Le thriller classique de Mann est un feu lent, jusqu'à un point culminant violent tout droit sorti du livre de jeu de Mann, rempli d'histrionique masculine de mauvais cul, mais aussi d'une tristesse indélébile. Il n’a pas daté aussi mal que certains des travaux de Mann dans les années 80 (cela signifie que vous, 'Manhunter'), et est toujours l’une de ses meilleures photos.

'Classe Touchez Risque»(1960)
Capable dans des rôles de gangster sans cœur, des flics glacés ou des parties de escrocs sympathiques, le polyvalent Lino Ventura (voir ci-dessus) joue une fois de plus dans la 'Classe Touchez Risque' de Claude Saudet, sans doute un film de braquage de gangster plus tragique et émotionnel que beaucoup de ceux-ci, parfois important- ère mien de fait. Jouant un ancien patron du crime recherché dans sa France natale, le personnage de Ventura Abel Davos décide de revenir une fois de plus voir sa famille. Un jeune voyou associé et prometteur (Jean-Paul Belmondo) est envoyé pour l'aider à faire le voyage à travers la frontière et les deux liens, d'autant plus que le jeune homme connaît l'homme plus âgé par sa réputation impressionnante. Bien que Belmondo joue un mensonge fidèle - l'image est parfois décrite comme concernant leur relation - la loi rattrape finalement Davos, ce qui crée des circonstances déchirantes pour sa femme et ses enfants (ce qui en fait en quelque sorte un spectacle solitaire). Image toujours captivante et absorbante, le réalisateur Claude Sautet n'est pas bien connu en dehors de celui-ci, mais son film de 1978, «Une histoire simple», avec Romy Schneider, a été nominé pour un Academy Award du meilleur film en langue étrangère.

'Le Cercle Rouge»(1970)
Avec autant de points d'entrée potentiels dans une histoire de braquage - le moment où le plan tourne mal, la rencontre des protagonistes, l'éclosion de l'intrigue - ce n'est qu'une des perversités de Jean-Pierre Melville ’; s “; Le Cercle Rouge ” ; (un nom tiré d'une citation bouddhiste, truquée par le réalisateur) qu'il choisit de commencer son film à des kilomètres dans le temps, l'espace et l'humeur, de la scène du crime. Mais les plaisirs étranges et spartiates de son approche décalée - deux membres du gang se rencontrent en raison d'une formidable coïncidence défiant les croyances; le troisième refuse sa part des bénéfices; leur adversaire policier les poursuit sans relâche, mais nous le voyons également deux fois rentrer à la maison, prendre un bain et parler à ses chats - exercer leur propre pouvoir convaincant. Eh bien, c'est ça ou les pommettes d'Alain Delon. En tout cas, par incréments, nous arrivons à la racine du trio taciturne (indépendamment de la séquence de bravoure sans dialogue de 25 minutes, il y a étonnamment peu de discussions de nos anti-héros) jusqu'à leur inévitable comeuppance. Que cela ne se produise pas à travers les trahisons internes qui provoquent généralement l'effondrement des gangs de la criminalité cinématographique, mais plutôt que c'est leur loyauté les uns envers les autres, c'est le coup de grâce de Melville: d'ici là, nos sympathies ont été si tordues que nous nous rangons entièrement avec ces tueurs et des voleurs contre un monde qui semble bien plus duplicite et ignoble qu’eux. John Woo a failli diriger un remake écrit par Steven Knight, mais il s'est effondré - probablement pour le mieux.

'La jungle d'asphalte»(1950)
Le noir de 1950 de John Huston peut être mieux connu maintenant pour les films qu'il a influencés (au moins la moitié des titres de cette liste, notamment “; Rififi ”;), et pour une première performance lumineuse de Marilyn Monroe, mais le film, si grinçant soit-il est par endroits et gâché par un dialogue didactique et moraliste, est toujours une pièce convaincante à part entière. L'arc narratif, (un homme a un plan, rassemble un gang, réussit un cambriolage, seulement pour avoir la chance et la nature humaine déjoue le schéma) est devenu à peu près le modèle du film de cambriolage, mais des détails comme la corruption des forces de police et les caractérisations soigneuses des membres de gangs gardent la procédure fraîche. Et tandis que les débats favorables à la censure sur la nature de la criminalité abondent, il est clair où se situe réellement la sympathie de Huston; c'est le pouvoir, et non pas la loi, qui corrompt ici, donc les seules personnes avec une sorte de code sont celles qui sont tout en bas de la chaîne alimentaire: la petite capuche de Sterling Hayden; la fille qui l'aime; le chauffeur évadé bossu et le père de famille en sécurité. Le dégoût est réservé à ceux plus haut dans la hiérarchie, dont les désirs dégénérés finissent par les contrecarrer (le cerveau et le personnage avant / clôture - un suave Louis Calhern - sont défaits par leur intérêt pour les jeunes filles nubiles), tandis que Hayden ’; s Dix est récompensé pour sa loyauté fidèle, si mal placée, et sa noblesse perverse, avec le genre de mort tragique, théâtrale et poétique; le plus grand honneur qu'un criminel de cinéma dans les années 50 oppressives que l'Amérique pouvait espérer.

'Les Deuxieme Souffle»(1966)
Parlez des Jean-Paul Belmondos et d'Alain Delon tout ce que vous aimez, mais peut-être l'un des vrais grands de l'ère du crime français est le sous-entendu et merveilleux Lino Ventura (cet homme encore…) qui a également eu des rôles majeurs dans plusieurs autres Jean-Pierre Photos de Melville. Bien qu'il ne soit pas aussi captivant que «Le Samourai» ou «Le Cercle Rouge» de Melville (ni sans doute aussi engageant que le thriller policier dirigé par Melville avant lui, «Les Dolous») «Second Wind» (comme on le sait dans sa traduction anglaise ) absorbe, si un peu tentaculaire pour son temps d'exécution de 2 1/2 heures. S'ouvrant sur une évasion de prison silencieuse et haletante, le film suit Gu (Ventura), court-métrage de Gustavo, essayant de quitter le pays, mais pas avant qu'il ne retrouve son amour Machouche (Christine Fabréga). Naturellement, il doit retirer un travail de plus (n'est-ce pas toujours un de plus?) Pour économiser suffisamment de temps pour que lui et la fille puissent fuir confortablement vers un paradis tropical. Les flics tordus (et un détective particulièrement sadique joué par Paul Meurisse) ne facilitent pas la tâche, et acceptent Gu de fausses accusations, le battent et complotent pour donner l'impression qu'il a fait exploser le reste du monde du crime et ses complices dans le sanglant et violent braquage de Brinks van bank qu'ils ont réussi plus tôt. Considéré comme un traître, Gu échappe à la captivité de la police puis fait ce qu'il peut pour effacer son honneur, mais apprend rapidement aux voleurs et à l'honneur qu'ils ne se mélangent généralement pas bien. Alain Corneau, récemment décédé, a tenté de refaire le film en 2007 avec Daniel Auteuil, Monica Belluci et Michel Blanc, sans grand succès.

'Chaleur»(1995)
Combien de critiques et d'articles sur ce film ont-ils essentiellement décidé qu'il s'agissait du premier couplage à l'écran entre Pacino et De Niro? Assez juste, c'est une affaire assez importante et tout, mais 'Heat' est une pièce d'ensemble grandiose et complexe, et le grand rassemblement de Method n'est qu'une partie de son horlogerie polie. Cet effort d'ensemble s'étend bien au-delà de la distribution: entre eux, le cristallin Dante Spinotti, le compositeur Eliot Goldenthal et le réalisateur Mann ont tissé un espace de rêve lumineux à partir du cadre de L.A.: un paysage à la fois étrangement beau et glacialement solitaire et déshumanisé. Les côtelettes de réalisateur de Mann sont à leur apogée: la lutte contre l'incendie immersive et cinétique dans le centre-ville de L.A., offrant une conception sonore miraculeuse et rugissante, est probablement la chorégraphie d'action la plus importante depuis que Peckinpah a réinventé la forme. Le scénario est dense et nuancé, explorant les relations gang / famille, les angoisses vivaces homme / film noir concernant l'engagement émotionnel et clouant une certaine éthique du travail comme identité qui était très répandue au crépuscule du siècle américain. Le casting est uniformément remarquable. (Est-ce qu'Al va OTT? Eh bien, oui, dans une certaine mesure, mais cela fonctionne principalement dans le contexte du personnage, et contrairement à De Niro.) L'influence de 'Heat' continue de prendre de l'ampleur - 'The Dark Knight', les jeux vidéo comme 'Kane et Lynch', euh, 'Takers' - et son statut est à peu près la queue de la marche en ce qui concerne les films de braquage contemporains.

'La prise de Pelham un deux trois»(1974)
L'année dernière, Tony Scott a tenté de refaire le film du métro séminal de Joseph Sargent, mais la vérité est qu'il a été battu par Spike Lee il y a quelques années avec “; Inside Man. ”; Comme ce film, “; Pelham ”; gagne son attrait supplémentaire en traitant chaque otage comme s'il était une personne réelle, un pion coloré dans une partie d'échecs mortelle où aucune pièce n'est jetable. Mais les joueurs périphériques de “; Pelham ”; sont également bien assortis, par Walter Matthau, un horloger poinçonneur obstiné, poursuivant consciencieusement le méchant assoiffé de sang Robert Shaw, dans une compétition chat et souris alimentée par une intensité ludique, jusqu'à ce dernier tir classique. C’est un autre film que Tarantino a «rendu hommage» dans «Reservoir Dogs», avec les noms codés en couleur des voleurs. Oh, et avons-nous mentionné le chronomètre d'un score de David Shire?

'Grand Chelem' (1967)
Dirigé par Klaus Kinski, Janet Leigh et Edward G. Robinson, vous devriez retrouver ce film basé uniquement sur le casting. Mais cette langue anglaise, production Euro dirigée par Giuliano Montaldo, autrement inconnu, est un film de braquage maigre qui nous emmène méthodiquement à chaque étape d'un travail, de l'embauche de l'équipe d'experts, en passant par le traçage du travail et l'exécution qui pas vraiment comme prévu. La prémisse est simple: un professeur à la retraite (Robinson) présente le travail de sa vie à un criminel professionnel: le vol d'une entreprise de diamant au Brésil. Avec tous les angles imaginables couverts, le travail se heurte à un problème lorsqu'un tout nouveau système d'alarme, le Grand Slam 70, est installé peu de temps avant le braquage prévu. De là, les choses deviennent encore plus velues. Montaldo dirige avec un œil incroyablement visuel et un sens du rythme complètement crackerjack. Le film tourne comme un putain de métronome qui vous secoue les nerfs. Mais tout cela ne signifierait rien si la séquence de braquage réelle ne se classait pas parmi les grands; exécuté à bout de souffle alors que nous regardons l'équipe essayer de dépasser leur sort éventuel. “; Grand Chelem ”; n'est pratiquement jamais mentionné dans les listes habituelles des grands films de braquage, mais regardez simplement ce film inventif, excitant et amusant et vous verrez pourquoi il mérite d'être découvert.

'Rififi»(1955)
Oui, nous savons. C'est le grand-père de tous les films de braquage, celui qui est en tête de liste de tous et dont le nom est constamment supprimé. Mais si vous n'avez pas vu le film (et par Dieu, vous devriez remédier rapidement à cette situation), ne vous laissez pas avoir à penser que ce n'est qu'une pierre de touche cinématographique dont tout le monde parle mais que personne ne regarde vraiment. Si quoi que ce soit, Jules Dassin ’; s “; Rififi ”; reste le modèle et la norme, avec une séquence de braquage au centre qui n'est pas encore terminée. L'intrigue est standard: quatre gars ciblent une bijouterie, planifient le travail parfait et les choses ne se passent pas comme prévu. Mais le coup de maître de Dassin est le braquage de 30 minutes, presque complètement silencieux (pas de dialogue, pas de bande sonore) qui jette brillamment les téléspectateurs dans le vol à couper le souffle, rempli de tension. Un chef-d'œuvre dans tous les sens du terme, “; Rififi ”; reste le porte-flambeau du genre pour de très bonnes raisons.

'Chien après-midi»(1975)
35 ans après sa sortie, il est facile de tenir pour acquis le courage et l’avance de «Dog Day Afternoon» de Sidney Lumet. Sur la base d'un incident réel, il suit Sonny (Al Pacino), un vétérinaire vietnamien qui, avec un groupe de cohortes, vole une banque afin de financer l'opération de changement de sexe de son amant (masculin). Il est remarquable pour la façon honnête, sympathique et sans cliché qu'il représente un personnage gay - même maintenant, il est rare de voir un personnage gay comme Sonny. Même alors, cependant, son homosexualité n'est pas au centre - un peu comme 'Network' (probablement le seul film sur le CV de Lumet qui peut surpasser celui-ci), le réalisateur s'intéresse à la célébrité, à la façon dont les médias et les gens de New York, diffamez et célébrez le plan de Sonny. La sensation documentaire portable est encore fraîche aujourd'hui, le scénario de Frank Pierson est une sorte de masterclass, et le montage, par le regretté grand Dede Allen, est au top de la catégorie. Peut-être le plus remarquable est la performance de Pacino: forte, vulnérable, désespérée, révolutionnaire, masculine, féminine: vous pouvez garder Michael Corleone, c'est celui pour lequel nous nous souviendrons de lui. Le casting de soutien ne peut pas être oublié non plus: John Cazale, Charles Durning, Chris Sarandon, même un jeune Lance Henriksen sont tous superbes.

- Rodrigo Perez, Nick Clement, Andy Linnane, Oliver Lyttelton, Jessica Kiang, Kevin Jagernauth, Tristan Eldritch, Tan Nguyen