Les meilleurs films de 2016, selon le critique d'IndieWire Eric Kohn
Dans le sens horaire à partir de la gauche: «Paterson», «L'Académie des muses», «Moonlight», «Swiss Army Man»
Chaque mois de décembre, il convient de le répéter: quiconque pense que ce fut une mauvaise année pour les films n'en a tout simplement pas assez vu. À l'ère de la frénésie, d'une prépondérance d'émissions de câblodistribution premium à voir absolument et, enfer, même des applications pour smartphones qui attirent beaucoup plus l'attention sur la plupart des réalisations de longue durée, la véritable gamme de cinéma de qualité est souvent obscurcie par le bruit d'un paysage médiatique encombré. Pour vraiment évaluer l'état des films modernes, on regarde au-delà de l'évidence. Bien sûr, ce fut une année faible pour les films qui se démarquent principalement en raison de la puissance des stars et des budgets marketing importants, mais ces options ne représentent qu'une petite fraction du marché.
Le circuit des festivals de films offre une alternative idéale aux chaînes conventionnelles pour découvrir des films qui valent la peine d'être discutés toute l'année - et, s'ils ont la chance d'atterrir, ils se qualifient pour la célébration de fin d'année sur des listes comme celle-ci. Cette année, tous les finalistes de ma liste des meilleurs films de l'année ont fait surface dans un grand festival et, dans la plupart des cas, ont trouvé le chemin des théâtres plus tard. Aucun d'entre eux n'était un pari commercial sûr; en fait, leurs chiffres cumulatifs au box-office pourraient brosser un tableau morne de la viabilité commerciale de cette forme d'art, mais cette image n'est qu'une petite pièce d'un puzzle beaucoup plus grand. Les films qui défient les conventions, rejettent les gens et les laissent incertains de ce qu'ils viennent de vivre sont souvent ceux qui méritent le plus d'être célébrés.
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Ma liste présente de nombreux films qui ont eu du mal à sortir, qui ne fonctionnent pas pour tout le monde, qui provoquent de vifs débats - et pourtant je suis tout à fait à l'aise de les considérer comme les meilleurs de l'année. Le consensus est ennuyeux. Si quelque chose provoque ici un désaccord, cela ne fait que renforcer la vitalité de ces grandes œuvres.
S'il y a un thème qui les traverse, c'est l'angoisse des temps modernes. Notre société est de plus en plus ébranlée par des développements inattendus - comme en témoignent Donald Trump, le Brexit et les Cubs de Chicago - et bon nombre des meilleurs films de cette année témoignent de ce sentiment nauséeux d'un monde mystérieux et des surprises qu'il nous offre. Ces histoires impliquent des personnages à la dérive dans des contextes difficiles où les frontières entre la réalité et la fiction se dissolvent, conduisant à des quêtes incertaines pour une vérité insaisissable. Tout le monde ne le trouve pas.
Finalistes de la liste de fin d'année 2016 «Les yeux de ma mère», «Nuts!», «Manchester By the Sea» et «The Lobster»
La liste suivante est classée. Il faut quelques mises en garde pour reconnaître certains finalistes. Tout d'abord, mon approche curatoriale prend en compte des facteurs tels que l'équilibre et la portée. Il y a beaucoup d'efforts de premier ordre qui occuperaient un rang élevé sur ma liste s'il n'y avait pas d'autres titres similaires que j'apprécie juste un peu plus (ainsi, 'The Witch' obtient la fente d'horreur sur 'The Eyes of My Mother', et 'Swiss Army Man' bat 'The Lobster' dans le département amusant et allégorique excentrique).
Bien que j'aie élargi la liste au-delà du top 10 habituel pour englober 16 titres, il y en a beaucoup d'autres qui n'ont pas tout à fait réussi. Celles-ci incluent la parodie délicieuse des frères Coen de l'usine de rêve hollywoodienne 'Hail, Caesar!' Et le semi-documentaire inventif de Penny Lane d'un infâme vendeur d'huile de serpent dans 'Nuts!', Qui parlent tous deux d'idées reflétées dans cette liste. 'Manchester By the Sea' est un regard savamment écrit sur la vie avec le chagrin, et 'The Lobster' (qui est apparu sur une version de cette liste plus tôt dans l'année) excelle dans l'exploration de la catharsis de la fuite d'une société oppressive. Voyez-les tous.
Surtout, cette liste reflète une année d'expériences culturelles extrêmement complexes, où la société a été bouleversée et les films anticipés. Ils sont un miroir du monde dans lequel nous vivons actuellement.
Les listes sont intrinsèquement limitatives, vous pouvez donc vous attendre à en voir beaucoup de ces parties alors que nous répandons l'amour autour. D'autres voix de l'équipe IndieWire interviendront tout au long de la semaine, et cet article sera mis à jour avec des liens. Pour l'instant, voici l'évaluation finale de ce critique sur les meilleurs films sortis en 2016. Les arguments sont les bienvenus, mais les lecteurs qui portent un jugement rapide sont encouragés à retrouver tous ces titres en premier.
16. «Certaines femmes»
«Certaines femmes»
Films IFC
Kelly Reichardt continue de montrer sa maîtrise de l'isolement américain avec cette adaptation des nouvelles de Maile Meloy. Chacun des trois chapitres du film témoigne d'un sentiment de dislocation parmi les figures de la classe ouvrière du Montana. Dans une année où les frustrations de la classe ouvrière ont atteint un paroxysme, cela ne pourrait pas être plus d'actualité. L'approche d'anthologie de Reichardt est truffée de confrontations ambiguës: avec la détresse d'une avocate ennuyée (Kristen Stewart) qui enseigne les cours d'éducation des adultes et la main solitaire du ranch (Lily Gladstone) qui tombe amoureuse d'elle, Reichardt construit son meilleur bi-mode depuis «Old Joy, »Tandis que la tentative d'un couple marié (Michelle Williams et James Le Gros) d'acquérir le grès ancien d'un homme plus âgé aborde subtilement les conflits intergénérationnels.
Mais le véritable pouvoir du film vient de ses serre-livres, dans lesquels un conseiller juridique confiant (Laura Dern à son meilleur) traite avec un col bleu mécontent qui passe par la poste après que son entreprise l'ait trompé de se contenter d'une blessure au travail. La rage grandissante d’un homme blanc plus âgé en colère et les luttes du personnage de Dern pour le consoler donnent à «Certaines femmes» un aperçu étonnant de la division de la société américaine.
15. «La sorcière»
Anya Taylor-Joy dans 'The Witch'
Facturé comme “; New England Folktale, ”; scénariste-réalisateur Robert Eggers ’; Le premier long métrage accompli gère un équilibre délicat: d'une part, une élégante pièce d'époque sur la dissolution d'une famille de la Nouvelle-Angleterre vers 1630, c'est aussi un film d'horreur vraiment troublant sur la possession. Presque exclusivement situé dans une cabane terne et les bois menaçants qui l'entourent, l'approche minimaliste du film ne manque pas d'authenticité, car Eggers s'appuie sur les archives judiciaires et autres documents pour scénariser le dialogue avec des costumes de la période en question. L'effet est un récit obsédant des forces d'un autre monde rendu particulièrement effrayant en raison du réalisme qui les entoure.
Associé au début étonnant de Nicolas Pesce 'Les yeux de ma mère', c'est exactement ce dont le genre d'horreur a besoin en ce moment - une secousse de sang frais et de narration originale.
14. «Toni Erdmann»
«Toni Erdmann»
Sur papier, la scénariste-réalisatrice Maren Ade ’; s “; Toni Erdmann ”; a une prémisse simple: après la mort de son chien, Winfried (Peter Simonischek), parent seul et solitaire, se présente dans la grande ville pour tenter de regagner les affections de sa fille adulte éloignée Ines (une étonnante Sandra Hüller), portant des déguisements pour qu'il peut la suivre en ville sans que ses amis et collègues ne le découvrent.
Allongé à deux heures et 42 minutes, cependant, le suivi tant attendu du cinéaste allemand pour 2009 ’; s “; Tout le monde ”; devient quelque chose de beaucoup plus subtil et perspicace que sa configuration rudimentaire ne le suggère. L'épopée à deux volets d'Ade sur la dynamique familiale porte ses fruits. À la fois récit émouvant de l'éloignement père-fille et satire d'entreprise rusée, «Toni Erdmann» se débat avec de gros problèmes à travers une lentille étonnamment intime, dans un équilibre difficile qui reflète la vie instable de ses personnages.
Au début, je n'étais pas entièrement convaincu que cela justifiait le poids, mais 'Toni Erdmann' est resté avec moi dans les mois qui se sont écoulés depuis que je l'ai vu à Cannes, son récit en couches révélant progressivement ses coups de maître rétrospectivement. C’est la marque d’une véritable réalisation cinématographique.
13. «Oncle Kent 2»
'Oncle Kent 2'
Usine 25
'Cool, le cinéma est mort', lit le slogan pour 'Oncle Kent 2', citant une réaction de tweet à l'existence du film. Mais le brillant coup de méta-défaite de Todd Rohal dans l'esprit de la star de 'Oncle Kent' et de l'animateur de 'Adventure Time' Kent Osborne est que les rebondissements bizarres du film se traduisent par la suite la plus cinématographique inspirée depuis des siècles.
Dans le chapitre d'ouverture crasseux réalisé par Joe Swanberg, Osborne tente de présenter une suite au portrait peu vu de Swanberg du célibataire maladroit de quarante ans; quand Swanberg dit à Osborne de faire lui-même la suite, l'odyssée farfelue qui s'ensuit devient exactement cela. Rohal, lui-même un cinéaste surréaliste sous-estimé («La poignée de main guatémaltèque») livre une parodie brillante de tropes indé américains narcissiques qui ne cesse de devenir plus fou au fur et à mesure. Si Charlie Kaufman a mis le concept derrière «mumblecore» dans ses lignes de vision, le résultat pourrait ressembler à ceci. Mais si 'Oncle Kent 2' est une alouette, elle est tout à fait satisfaisante, livrant une inculpation astucieuse de créativité auto-agrandissante en creusant à l'intérieur de ses extrêmes et en les soufflant en morceaux.
12. «Les ajustements»
'Les ajustements'
Oscilloscope
Le premier long métrage d'Anna Rose Holmer est un portrait surréaliste d'une jeune héroïne improbable. Toni (onze ans) (star de l'évasion Royalty Hightower) aspire à être une danseuse tout en se préparant à la boxe dans son centre pour jeunes de Cincinnati. Alors qu'une maladie convulsive commence à toucher plusieurs de ses collègues danseurs, “; The Fits ”; se transforme progressivement en un regard de «Twin Peaks» sur l'aliénation communautaire, mais c'est aussi une représentation intelligente d'une communauté insulaire vue à travers la lentille de l'émerveillement de l'enfance.
Les performances étonnamment subtiles de Hightower s'harmonisent parfaitement avec le portrait rythmique du film sur les mystères et l'aliénation de l'adolescence. La capacité de Holmer à rester dans la perspective du monde de son jeune protagoniste imprègne 'The Fits' avec une simplicité désarmante qui est presque choquante et poignante alors qu'elle se transforme en une finale surréaliste.
11. «L'Académie des muses»
«L'Académie des muses»
Finalement sorti dans quelques salles un an après sa sortie en festival, le portrait du drame romantique du cinéaste catalan Jose Luis Guerin à travers un objectif savant est l'un des foules les plus peu orthodoxes de tous les temps. Bien qu'il n'ait pas sorti de film aux États-Unis depuis 2007 dans «Dans la ville de Sylvia», Guerin a continué à créer des expériences cinématographiques inventives qui mélangent des composants documentaires et fictifs avec des résultats étonnamment imprévisibles. «L'Académie des Muses» est le parangon de cette approche unique; c'est aussi hilarant et touchant à parts égales.
Dans un premier temps, Guerin se concentre sur les conférences qui divisent un processeur de littérature à l'Université de Barcelone qui propose que les femmes s'inscrivent dans la définition classique de la «muse» et utilisent leurs pouvoirs de séduction pour inspirer la poésie. Alors que le discours lourd pénètre dans ses propres termes, ce point de départ devient le premier acte d'un drame sensationnel dans lequel la relation élève-enseignant évolue en territoire éthiquement douteux: le professeur couche non seulement avec ses élèves mais tente également de rationaliser la décision face à sa femme irréfléchie.
Choquante, profonde, drôle et triste, «L'Académie des Muses» est une illustration de premier ordre de pensées profondes traduites en un récit passionnant. Malgré le concept lourd, il est peut-être plus proche d'un travail de croisement du Guerin toujours innovant.
10. 'Neruda'
'Neruda'
Le verger et les médias des participants
Le portrait du réalisateur chilien Pablo Larraín du légendaire poète, sénateur et conteur expert Pablo Neruda est une représentation fascinante de l'identité nationale et de l'intelligence littéraire. Luis Gnecco offre une performance vivante (et très précise) en tant que pièce maîtresse éponyme de “; Neruda, ”; qui suit la figure séminale de ses jours de fête bohème à travers son évasion des autorités chiliennes en colère par ses tendances communistes.
Mais la vraie star de “; Neruda ”; est un enquêteur de police rusé Oscar Bustamante Peluchonneau (Gael Garcia Bernal, un excellent film comique) chargé de suivre le poète. Alors qu'il continue de courir après Neruda, Peluchonneau se rend compte qu'il est pris au piège du propre mythe de Neruda. “; Je ne suis pas un personnage secondaire, ”; dit-il, mais finalement sa validation vient de Neruda reconnaissant que leur histoire ensemble est importante. Avec 'Jackie' de Larraín, sorti aux États-Unis une semaine avant 'Neruda', le film confirme la capacité de ce cinéaste ingénieux à interroger l'histoire dans des termes d'une originalité saisissante. Larraín salue l'un des plus grands conteurs de son pays en faisant correspondre ses talents.
9. «Miel américain»
'Miel américain'
Même si Shia LaBeouf ne décrivait pas sa tenue de bretelles et de pantalons comme 'Donald Trump-ish', le road trip expressionniste d'Andrea Arnold résonnerait avec une vision d'actualité. De «Red Road» à «Fish Tank», Arnold a toujours livré des portraits fascinants de jeunes femmes frustrées, mais son ambition atteint ses plus hauts sommets avec cette représentation tentaculaire d'une adolescente en fuite (Sasha Lane, l'une des meilleures découvertes de l'année) qui rejoint un groupe de jeunes vendeurs de magazines hédonistes dirigés par le rusé LaBeouf.
Certains critiques ont tourné en dérision le rythme sinueux du film et la bande-son pop-heavy comme plus posturale que la véritable finesse narrative, mais cela ignore le talent artistique de sa conception. Arnold offre un regard astucieux de jeunes aliénés pillant le Midwest sans objectif précis à part garder leurs modes de vie imprudents à flot. C'est une déclaration générationnelle en colère et un appel désespéré à l'aide.
8. «Swiss Army Man»
«Homme de l'armée suisse»
A24
'Je pensais avoir été sauvé', chante Paul Dano sur le cadavre de Daniel Radcliffe, 'mais vous n'êtes qu'un mec mort, et je suis tout seul.' Un film de copain surréaliste dynamisé par quelques utilisations innovantes de la flatulence, 'Swiss Army Man »Est le mélange admirablement étrange de slapstick et de musicalité du duo de vidéoclips Daniels riche d'idées: les signes extérieurs du politiquement correct, les effets isolants d'une faible estime de soi, la nature homoérotique du lien masculin, et bien plus encore.
Piégé sur une île déserte quand il tombe sur un cadavre qui lui donne de l'espoir, le personnage de Dano découvre les utilisations originales du corps alors qu'il prend lentement vie. Radcliffe offre une performance audacieuse à la fois troublante et absurde, un peu comme la plupart de ce film totalement engageant qui a parfois l'impression de se matérialiser à partir d'une autre dimension de la fabrication de Daniels. Cette terre imaginaire mérite plus de visites, alors voici en espérant qu'ils continueront.
7. «Paterson»
«Paterson»
Les petits échanges et les longues pauses sont les caractéristiques des films de Jim Jarmusch, mais peu ont le mélange profond de chaleur et de mélancolie que l'on retrouve dans «Paterson». Porté par un pilote Adam Lowe et Jarmusch convenablement discret pour capturer des remarques désinvoltes, «Paterson» est son étude de personnage la plus absorbante depuis «Fleurs cassées», mais il a une sophistication silencieuse qui l'élève à un autre niveau. L'histoire légère d'un chauffeur de bus au clair de lune en tant que poète magnifie les rythmes quotidiens de son monde confiné et les transforme en l'art qu'il aspire à créer. Tour à tour charmeur, mélancolique et sage, 'Paterson' perfectionne l'archétype du hipster sans but errant à travers l'œuvre de Jarmusch en validant ses manières intrépides.
6. «Caméraman»
'Caméraman'
Kirsten Johnson ouvre «Cameraperson» avec une note décrivant le projet comme «mes mémoires», mais il est sûr de dire qu'il n'y a jamais eu de mémoire comme celui-ci. Combinant des images de ses 25 années d'expérience en tant que directeur de la photographie documentaire, «Cameraperson» offre un aperçu libre des personnes et des lieux que Johnson a capturés au cours d'une carrière diversifiée. Plus que cela, les deux douzaines de projets présentés aux côtés de séquences originales confrontent le processus de création. Ceci est un guide semblable à un collage pour une vie de regard.
Les crédits de Johnson vont des exposés risqués tels que «Priez le diable en enfer» et «Citizenfour» à des tarifs plus légers comme le portrait de bande dessinée new-yorkais de l'année dernière «Very Semi Serious», qui tous font surface dans cette enquête mondiale dense. Mais le sujet disparate se fige autour de sa présence implicite dans chaque scène. Le théoricien du cinéma soviétique Dziga Vertov approuverait sûrement l'approche de Johnson - un titre alternatif pourrait être 'Femme avec une caméra' - car il transforme l'idée de la caméra en un vaisseau pour étudier le monde. Bien qu'une grande partie du contenu de «Cameraperson» soit ancienne, Johnson a indéniablement créé quelque chose de rafraîchissant et de nouveau.
5. «Contrôle créatif»
«Contrôle créatif»
Avec ses photographies nettes et blanches nettes et ses effets étonnants, le thriller de science-fiction fascinant de Benjamin Dickinson “; Creative Control ”; envisage intelligemment une société dominée par la technologie qui est juste au coin de la rue. Mais les détails de l'intrigue, dans laquelle le développeur de nouvelles lunettes de réalité augmentée basé à Brooklyn perd le contact avec le monde qui l'entoure, imprègne la cible de sa critique d'une pointe contemporaine pointue. Peu importe le génie des nouvelles technologies, soutient le film, chaque nouvel outil sophistiqué est sujet à des faiblesses humaines. C'est à la fois un autre monde et familier - une satire futuriste qui pique avec une pertinence immédiate.
4. 'Tout le monde en veut !!'
'Tout le monde en veut !!'
Les films de Richard Linklater sont remplis d'observations énergétiques à petites doses. Des divagations philosophiques denses entourent les parcelles les plus fragiles; un air décontracté rencontre l'existentialisme. Bien que discuté pendant des siècles comme une suite spirituelle ”; à son classique du lycée des années soixante-dix “; Dazed and Confused ”; - et se déroulant quelques années plus tard - la comédie universitaire de baseball “; Tout le monde en veut !! ”; contient plusieurs des meilleurs ingrédients trouvés tout au long de la carrière de Linklater: une attitude insouciante sur la vie associée à des observations plus sournoises sur ses mystères plus profonds.
Comme pour son “; Avant ”; trilogie et l'ambitieux cycle de production de 12 ans de “; Boyhood, ”; le nouveau film joue aussi intelligemment avec le temps. Cramming trois jours de pitreries hard-partying en un peu moins de deux heures, “; Tout le monde en veut !! ”; se déroule dans les derniers jours de l'été dans une petite université du Texas, où les responsabilités de l'âge adulte se cachent juste à l'extérieur du cadre. Tout aussi charmant et sage, “; Tout le monde en veut !! ”; incarne la capacité unique de Linklater à magnifier le comportement humain avec légèreté. Il n'y a rien de voyant sur ce film, mais c'est l'éclat de celui-ci. La vie vous envahit, tout comme les films de Richard Linklater.
3. «Weiner»
Anthony Weiner et Huma Abedin dans «Weiner»
Sundance Selects
Cela a commencé comme une farce tragique; au cours de l'année 2016, «Weiner» est devenu un coup d'œil alarmant dans le monde du bouffon qui a pu nous coûter notre démocratie. Weiner, pendant sa campagne désastreuse de maire de New York, est devenu une plaisanterie nationale pour des raisons évidentes. Mais le public ne pouvait pas voir le chaos absolu de la campagne Weiner alors que le politicien faisait face à l'une des plus grandes humiliations publiques de l'histoire récente. “; Weiner, ”; qui a remporté le grand prix du jury au Sundance Film Festival de cette année, tire ce voile pour révéler l'une des grandes farces de l'histoire de la campagne moderne (au moins avant la saison présidentielle en cours).
Co-réalisé par l'ancien chef de cabinet de Weiner Josh Kriegman avec Elyse Steinberg, le film capture Weiner et son épouse assiégée, la conseillère d'Hillary Clinton, Huma Abedin, à travers une série de circonstances qui font grincer des dents alors que les médias s'attaquent continuellement aux difficultés de la famille et du rsquo; s. Le divorce de Weiner avec Abedin au cours de l'été au milieu de la campagne de Clinton n'a fait qu'intensifier les scènes du film du couple; plus tard, lorsque le directeur du FBI James Comey a révélé qu'il étudiait les échanges de Weiner avec un adolescent, la pertinence du documentaire s'est encore accrue.
En mettant tout cela de côté, la tentative de Weiner de faire face à des chances impossibles se traduit par un regard spectaculairement divertissant sur les pratiques de la célébrité moderne et l'orgueil impliqué dans la poursuite du pouvoir dans l'arène politique. D'une part, “; Weiner ”; est un cinéma de premier ordre, capturant l'humiliation constante de son sujet et son investissement absurde dans sa campagne contre toute attente impossible avec des détails frappants, même si le chaos qui entoure sa chute témoigne également de l'obsession des médias pour son scandale. En même temps, c'est une caricature éditoriale bruyante sur la folie inhérente d'un système truqué pour l'autodestruction. Et maintenant, alors que Weiner s'efface, nous devons vivre dans son gâchis.
2. 'Jackie'
'Jackie'
Le portrait de Pablo Larraín de la tentative de Jackie Kennedy de lutter contre le chaos après l'assassinat de son mari est à la fois un thriller psychologique et une enquête historique. Ancrée par Natalie Portman dans un virage sans précédent en carrière, la construction atmosphérique du film perce la nature de la vie publique et les machinations politiques.
Le script de Noah Oppenheim encadre les quelques jours tendus pendant lesquels Jackie prévoit l'enterrement de son mari et la caméra de Larraín reste proche de son sujet, forçant les téléspectateurs à planer dans son état d'esprit compliqué. Peu importe combien elle essaie de protéger son chagrin, le monde grouille. “; Ce n'est pas de l'histoire si ce n'est pas écrit, ”; dit-elle à un journaliste qui la pousse à chaque tour. Cette affirmation est la plus grande cible du cinéma de Larraín: quelle est notre relation avec le passé - et comment la modifions-nous pour répondre à nos attentes aujourd'hui? Alors que la réalité et la fiction s'entremêlent avec les théories du complot du babillard électronique et les médias sociaux réducteurs qui définissent notre ère de l'information, les films de Larraín ne pouvaient pas arriver à un meilleur moment. 'Jackie' consolide leur attrait.
1. «Moonlight»
'Clair de lune'
Avec l'aimable autorisation de Colour Collective et A24
Le suivi de longue date de Barry Jenkins de 'Medicine for Melancholy' est une tragédie profonde qui se raconte en passant des regards. Riche d'images évocatrices et d'échanges tendres, le traitement du cinéaste de la pièce de Tarrell Alvin McCraney “; In Moonlight Black Boys Look Blue ”; est un beau drame qui parvient à être à la fois épique et discret.
“; Clair de lune ”; explore le sort d'un jeune homme noir à travers trois époques, à la recherche de sa place dans le monde tout en luttant avec son identité gay sous le fardeau de la classe et d'une famille brisée. Le pouvoir de l'histoire vient des écarts entre les mots - et d'une bataille en cours pour trouver les bons. C'est une pièce d'humeur étonnante sur la nature d'être marginalisé à plusieurs niveaux à la fois.
L'histoire du jeune Chiron alors qu'il grandit et manque l'occasion de trouver une vie satisfaisante devient plus désespérée au fur et à mesure qu'elle avance, jusqu'à ce que finalement le garçon devienne un homme et tente une dernière fois de remettre les choses en ordre. Malgré le ton sombre, c'est une lueur d'espoir pour les perspectives de prise de parole - et clôt l'année en incarnant son humeur instable. Quelle que soit la spécificité de son cadre, le ton de «Moonlight» reflète un mélange de désespoir et de désir qui définit nos temps de troubles.
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