The Essentials: Les 8 meilleurs films de Luchino Visconti
Luchino ViscontiSa réputation le précède et elle est un peu terrifiante. Il y a peu de réalisateurs qui ont besoin d'un souffle assez profond avant de discuter - sa filmographie relativement petite couvre des impulsions divergentes qui peuvent sembler si infranchissables qu'elles sont contradictoires. Comment un auteur peut-il devenir célèbre dans le cadre du mouvement néo-réaliste italien, aux côtés de ses contemporains Roberto Rossellini et Vittorio De Sica, mais est devenu plus célèbre pour ses mélodrames d'époque sauvagement décadents, brocartés, souvent si théâtraux qu'ils sont d'opéra, et parfois si majestueux qu'ils sont stupéfiants?
C'est un paradoxe célèbre incarné par Visconti lui-même. Né un aristocrate riche (son titre officiel était le comte don Luchino Visconti di Modrone), il était ami avec les goûts du compositeur d'opéra Puccinichauffeur Toscanini, et écrivain Gabriele D'Annunzio (qui écrirait le dernier film de Visconti, 'L'innocent“). En effet, son entrée dans le cinéma (Visconti a réalisé des pièces de théâtre et des opéras avant, comme il continuerait à le faire tout au long de sa carrière), était sur des films tels que «Une journée à la campagne'En tant que directeur adjoint de Jean Renoir, à qui il a été présenté par un ami commun Coco Chanel.
Il était ouvertement gay et tout au long de sa vie avait des relations avec des collaborateurs tels que l'acteur Helmut Berger (qu'il a qualifié de Martin, dérangé et pervers, dans 'Les damnés') et Franco Zeffirelli, qui a débuté en tant qu'équipage sur diverses productions de Visconti avant de se lancer dans une carrière de réalisateur. Mais Visconti était également marxiste avec insistance, rejoignant le Parti communiste italien pendant la Seconde Guerre mondiale, au moment où il a fait son premier film, 'Obsession», Lors du tournage dont il a offert le palais de sa famille comme lieu de rencontre clandestin pour les agitateurs communistes locaux. Sa vie personnelle, en tant qu'aristocrate marxiste gay, fournit souvent un modèle irrésistible pour l'interprétation de ses tendances de réalisateur plus confuses.
Et il y a des raisons pratiques d'être intimidé. De nombreux films de Visconti patinent près de la barre des 3 heures (ou juste selon la coupe que vous voyez - presque tous existent dans différentes versions). Et la pratique alors courante de post-synchronisation du dialogue, souvent dans une langue autre que celle que parlait l'acteur, peut être distrayante, surtout lorsque vous regardez un film en italien dans lequel les sous-titres anglais imitent plus étroitement la bouche mouvements des principaux que les mots que vous entendez. Il a souvent pris pour toile de fond la période de l'histoire italienne qui pourrait être inconnue du public étranger, et il n'a jamais eu peur d'une longue prise de vue ou d'un tir lent et persistant. Il n’est pas étonnant que l’aura rebutante de la «cinéphilie avancée» s’accroche au nom de Visconti.
Alors pourquoi persévérer? Parce qu'à son meilleur, et dans sa carrière, il n'est vraiment allé à bout de souffle que deux fois, la portée et la vision de Visconti, et l'intrépidité avec laquelle il aborde des sujets extrêmement difficiles et lourds, est à couper le souffle et très gratifiant. Avec la restauration de son séminal “Rocco et ses frères”Commençant sa course demain jusqu'à fin octobre à Forum du film à New York, que vous soyez néophyte ou que vous souhaitiez approfondir vos connaissances sur un cinéaste remarquable dont les portraits de relations condamnées, de familles et de classes entières sont tombées injustement à la mode, voici une introduction de base à huit de Luchino Les titres les plus essentiels de Visconti.
Obsession / Obsession (1943)
S'il y a une énigme centrale dans la carrière de Visconti, c'est la façon dont un réalisateur initialement associé à la sensibilité de grain, de l'agenda social et du docu-drame du mouvement néo-réaliste italien pourrait finalement devenir plus célèbre pour ses mélodrames théâtraux luxuriants. Mais tout au long de son tout premier film, nous pouvons voir comment ces impulsions apparemment contradictoires peuvent se fondre. Première sortie, Visconti a pris le pulpy noir de James M Cain«S»Le facteur sonne toujours deux fois»Et lui a donné un avantage socio-politique indubitable, donnant naissance presque par inadvertance au mouvement néo-réaliste avec ses étoiles non glamour, ses lieux naturalistes et ses photographies granuleuses, lâches, en noir et blanc. À l'inverse, il a pu faire glisser quelques commentaires sournois marxistes (il suffit de compter la fréquence à laquelle les conversations entre étrangers tournent autour de son devoir d'être «bons les uns envers les autres») dans un divertissement de genre, et de le faire ainsi passer les censeurs de Mussolini (non sans coupures et controverse) , bien que). La petite histoire crasseuse, racontée deux fois par la suite dans le formidable noir plus stylisé des années 1946 John Garfield et Lana Turner-étoile puis à nouveau la version 1981 surchauffée avec Jack Nicholson et Jessica Lange, c'est le fonctionnement impitoyable de la luxure et de la cupidité dans un triangle amoureux à col bleu. Un vagabond sans le sou, Gino (le remarquablement beau Massimo Dirotti) fait un arrêt au stand dans une station-service / un magasin / un bar dans une ville à un cheval et tombe immédiatement dans une liaison torride avec Giovanna (Clara Calamai), la belle épouse ennuyée du propriétaire plus âgé, ce qui conduit finalement au meurtre et à la tragédie. Mais alors que les rythmes de l'histoire A sont familiers, Visconti passe beaucoup de temps loin du trio central, développant l'amitié de Gino avec un artiste libre d'esprit, par exemple, et montrant son flirt ultérieur avec un jeune danseur. Il gêne peut-être le suspense, mais se transforme en une autre marque de fabrique de Visconti: une approche épisodique de la stimulation, où souvent les scènes continuent de se jouer pendant un certain temps après avoir atteint leur crescendo dramatique, changeant subtilement le sens et l'humeur de l'ensemble.
'La Terre tremble' / 'La Terra Trema' (1948)
Expression la plus pure du côté néo-réaliste du dualisme de Visconti (bien qu'il soit né d'un désir d'adapter le roman sur lequel il n'est désormais que très vaguement basé), la beauté saisissante de 'The Earth Trembles' est, à sa manière, magnifique, épique et lyrique comme tous les films ultérieurs de Visconti. Pourtant, enfoui dans son paysage austère et impitoyable comme l'un des rochers noirs immobiles qui parsèment le littoral de l'île sicilienne, Aci Trezza, où l'action se déroule, 'The Earth Trembles' est fondé sur un humanisme résilient et indéfectible. Dans le même temps, la distribution non professionnelle dépeint la famille centrale et les autres insulaires avec une authenticité et une simplicité simples que le pouvoir allégorique du film, accru par l'utilisation d'une voix off poétique et omnisciente, est mis en avant. Racontant l'histoire d'une famille en difficulté, dont les hommes et les garçons gagnent leur subsistance en tant que pêcheurs depuis des générations, il s'intéresse principalement aux oppositions idéologiques en tant que fils aîné de la famille, Antonio, son esprit un peu élargi par son séjour sur le continent ( qui est très rarement mentionné autrement dans ce microcosme insulaire isolé), déclenche une petite révolte contre l'ordre social injuste qui prévaut. Il hypothèque la maison familiale pour acheter un bateau et se lancer dans les affaires, éliminant les grossistes intermédiaires méprisants qui augmentent ou font baisser les prix du poisson apparemment sur un coup de tête. Mais après une brève période d'optimisme, l'étroitesse d'esprit de leurs voisins, l'entropie de la tradition, la cruauté de la nature et la pure malchance conspirent contre les humbles espoirs de la famille Valastros. Cela semble déprimant, mais d'une manière ou d'une autre, c'est plus grand que cela, plus à l'écoute de la folie et de la noblesse quichotte d'essayer de ramer à contre-courant. C’est aussi, étrangement pour les Visconti manifestement marxistes, un peu désespérés de l’efficacité de l’action collective comme moyen de passer au statu quo. Mais peut-être la plus grande énigme de ce film incontestablement brillant vient de regarder le naturalisme évocateur mais authentique de ces plans, ces visages, ces paysages: pourquoi Visconti travaillerait-il jamais dans un style autre que celui qu'il réussit si bien ici?
'Sens' (1954)
Un mélodrame glorieusement plein de gorge sur un amour ruineux à une époque de bouleversements politiques, il n'est pas difficile de voir pourquoi le luxuriant et extravagant «Senso» a été considéré comme une trahison par les fans de Visconti espérant voir un retour à ses débuts néo-réalistes . Si quoi que ce soit, 'Senso' se sent comme l'un de ses rejet les plus provocants des principes de ce mouvement, comme dans celui-ci, la guerre d'unification austro-italienne de 1866, et la lutte des Italiens nationalistes ordinaires contre les Autrichiens occupants, est utilisée. aussi peu qu'un appareil de tracé (monté de façon exquise). C’est une lutte finalement totalement trahie par Livia Serpieri (Alida Valli), une comtesse italienne malheureusement mariée dont les sympathies nationalistes prononcées sont rejetées lorsqu'elle tombe follement amoureuse du bel officier autrichien Franz (Farley Granger). Franz utilise Livia et la jette de côté, avant de lixivier plus d'argent d'elle pour dépenser en soudoyant des médecins pour certifier qu'il ne peut pas se battre (il n'est pas seulement un cad et un amant infidèle, il est un lâche!) Et Livia, après son bref moment de le bonheur délirant, plonge tête baissée dans la dégradation, entièrement complice de sa propre ultime humiliation. En apparence, ce n'est pas un film pour l'aversion au mélodrame romantique, mais la performance fantastique de Valli alors que la Livia, dérangée mais froidement autodestructrice, est certainement l'un des grands tournants d'un genre remarquable pour donner des rôles charnus aux femmes. Et le point culminant du film, qui se déroule dans un salon où Franz nargue Livia en lui faisant demander à sa prostituée de rester pour prendre le thé avec eux, est sûrement un pour les âges. Visconti fait une petite place au contexte extérieur - Livia a un cousin passionnément nationaliste, Roberto, dont elle donne finalement l'argent à Franz, condamnant ainsi la compagnie d'hommes de Roberto à une écrasante défaite. Et au milieu de toutes les batailles figuratives, Visconti met également en scène une bataille littérale dans une scène remarquablement épique dans laquelle les soldats tombent entre des meules de foin et se précipitent sur les collines comme tant de fourmis. Mais ici, le cadran est poussé jusqu'à 11 pour le drame émotionnel et dramatique de «l'image des femmes»: ce n'est pas le film le plus profond ou le plus lourd de Visconti, mais c'est l'un de ses plus ravissants beaux et l'un de ses plus somptueusement divertissants.
'Nuits blanches' / 'Les nuits blanches' (1957)
Peut-être comme une réaction directe contre les excès de «sens», Visconti est retourné au noir et blanc et à l'Italie presque contemporaine pour cette belle romance douce-amère. Mais ce n'est pas juste une retraite formelle, en fait 'White Nights' ajoute une corde à l'arc de Visconti qui n'est pas beaucoup en évidence ailleurs: ici, le maître reconnu de l'opéra de la période de balayage et le drame néo-réaliste allégoriquement puissant pares tout pour livrer. simplicité formellement classique. L'intimité bavarde de ce film, qui se déroule presque comme un précurseur des années 1950 étroitement chorégraphié à «Avant le lever du soleil», Est peut-être unique dans son œuvre, et il fait de« White Nights »l'un de ses films les plus directs. Ce qui ne veut pas dire que c'est sans fioritures structurelles: en fait, il montre une belle maîtrise de la manipulation temporelle en cachant de façon transparente les coupures dans et hors des flashbacks et en faisant des événements de longue date qui sont racontés l'impression qu'ils se produisent de manière contiguë. Ce qui, bien sûr, est pour les principaux du film, tous deux hantés par la promesse d'un amour que le temps ou le timing a mis hors de leur portée. Basé sur une courte histoire de Fyodor Dostoevsky (qui a apparemment aussi inspiré le pas du tout similaire 'Deux amants' de James Gray), il suit Mario (Marcello Mastroianni), un homme solitaire nouvellement arrivé dans une ville italienne en ruine. Un soir, il rencontre Natalia (Maria Schell) sur un pont au crépuscule et une relation provisoire se noue entre les deux âmes perdues - la solitude de Natalia a une source différente alors qu'elle attend son homme (Jean Marais) qui peut ou non lui revenir. Se déroulant dans une glorieuse photographie au clair-obscur dans les ruelles au crépuscule, dans les portes de nuit et le plus évanouissant, lors de la première chute de neige sur une promenade en bateau sur le canal, le film est en fait surtout une série de conversations entre les deux car, même si elles sont imparfaites (elle peuvent sembler coquettes à un moment donné et froides le suivant), ils établissent un lien fragile avec une tendresse touchante. Ceci étant Visconti, cependant, nous ne pouvons guère nous attendre à une fin traditionnellement heureuse, peu importe à quel point le film est étrangement classique, mais la note ambivalente d'acceptation, de bonheur loué brièvement plutôt que détenu pour toujours, semble beaucoup plus véridique qu'un heureux jamais après. , et cela donne à ce film de Visconti l'impression d'être peut-être le plus intemporel.
'Rocco et ses frères' / 'Rocco et ses frères' (1960)
Peut-être que le film le plus accessible de Visconti, 'Rocco et ses frères' est aussi son plus influent: il est impossible de ne pas remarquer la lourde dette qui lui est due par le 'Parrain”Films de Francis Ford Coppola et par Scorsese«S»Taureau furieux' en particulier. Mais sa canonisation comme une sorte d'année zéro pour le mouvement indépendant américain des années 1970 ignore peut-être que le film lui-même a des racines qui s'étendent en arrière et même à travers l'Atlantique dans la direction opposée: en particulier Elia Kazan«S 1954»Au bord de l'eau»Semble alimenter cette histoire de cinq frères des régions rurales pauvres du sud de l'Italie qui tentent de se frayer un chemin dans le nord industrialisé et en plein essor. C'est également le milieu parfait entre le réalisme naturaliste de ses premiers titres et le mélodrame des derniers, dans lequel le premier style ajoute de la gravité et de la pertinence sociale à la valeur de divertissement moelleuse et tourneuse de pages de ce dernier. Cela marque même un pas en avant par rapport à ses débuts «Ossessione», où il a également tenté ce type de synthèse: tout en fonctionnant considérablement plus longtemps, «Rocco» ne souffre pas des mêmes problèmes de rythme, et passe par là, avec des épisodes individuels se dirigeant vers un point culminant vraiment choquant et provocateur. Divisé en chapitres dirigés après chacun des cinq frères Parondi, vraiment le film tourne principalement autour de Simone (brillamment haussière et meurtrie Renato Salvatore) et Rocco (Alain Delon). Simone tombe amoureuse d'une prostituée d'une beauté improbable, Nadia (Anne Girardot), qui l'encourage à poursuivre une carrière de boxeur. Cela l'amène à corrompre l'entreprise, et lorsque le cœur pur Rocco revient du service militaire et que Nadia et lui tombent amoureux, la scène est prête pour une escalade de la violence. Pour un œil moderne, 'Rocco' est problématique dans son traitement de Nadia, qui a beaucoup de personnalité pour commencer, mais est progressivement marginalisée au statut d'agneau sacrificiel dans le bras de fer fraternel, mais à l'extérieur de ce numéro, 'Rocco' est proche du génie - un beau drame brûlant et choquant qui prend la résonance d'une tragédie grecque alors que cinq frères tentent de négocier l'équilibre entre l'intérêt personnel et la loyauté familiale dans une ville qui ne le fait pas. se foutre de l'un d'eux.
'Le Léopard' / 'Le Léopard' (1963)
Bien que l'on puisse être en désaccord avec l'installation récente de ce titre comme le plus grand de tous les drames Visconti, on ne peut nier l'ampleur de son ambition et la masse massive et gravitationnelle de ses thèmes. 'Le léopard', basé sur le roman du même nom par Giuseppe Tomasi de Lampedusa, aborde comme motif central non moins un sujet que l'inévitabilité du changement social dans le temps et la responsabilité de chaque génération de faire place à la suivante. C’est probablement aussi le film dans lequel il a le mieux réalisé une synthèse du micro avec la macro, comme Burt LancasterLe prince vieillissant de Salina (le deuxième plus grand des îles Éoliennes après la Sicile), fait face à l'inutilité et à l'infirmité envahissantes en même temps que les chemises rouges anti-monarchistes (sous Giuseppe Garibaldi) commencent à prendre le dessus dans la campagne de 1860 qui conduit finalement à l'unification d'une nouvelle Italie théoriquement plus démocratique. Mais «Le léopard» se sent aussi étrangement personnel (encore une fois l'attrait de l'autobiographie de Visconti, avec sa dichotomie aristocrate / communiste devient irrésistible), comme le Prince, à bien des égards le symbole d'une vieille garde enracinée dans la hiérarchie et la tradition, est également montré d'avoir de la sympathie pour la cause des chemises rouges. En particulier, il fait plaisir à son beau neveu, si téméraire, Tancredi (Alain Delon), qui est impliqué avec les rebelles, bien plus pour le romantisme que pour tout idéalisme indigène. Et pourtant, à la fin du film, Tancredi a gagné non seulement la main de la belle Angelica (Claudia Cardinale), pour lequel le vieil homme lui-même nourrit une passion, il s'est refaçonné dans le genre de Nouvel Homme pragmatique que le Prince peut ne pas admirer, mais doit céder tristement l'avenir. Le dernier tiers de ce long métrage se déroulant dans un somptueux bal alors que le prince se déplace de pièce en pièce, de plus en plus en contradiction avec les ragots et la gaieté de la classe condamnée qu'il représente, malgré sa position au début du milieu de la carrière de Visconti , cela ressemble à un adieu: un adieu prolongé, prolongé et douloureux à un mode de vie qui a sa propre beauté et sa noblesse, mais qui ne peut pas et ne devrait pas survivre.
'Les damnés' / 'La chute des dieux (Götterdämmerung)' (1969)
Il y a un débat sur le film que nous devrions classer comme le 'meilleur' des drames technicolores de Visconti, mais il y a une petite minorité - d'accord il y en a un, moi - qui pense que l'aiguille devrait s'éloigner de la majesté de 'Le léopard»Et pointer du doigt les absolument fous« The Damned ». En fait, nous sommes au moins deux - le film était aussi l'unique favori de Rainer Werner Fassbinder(Notre rétro ici), ce qui, si vous avez vu l'un de ses films, a énormément de sens. Déplacer son centre historique loin de la Risorgimento période de l'histoire italienne et prenant place à la place de la montée du nazisme d'avant-guerre en Allemagne, Visconti crée à nouveau une parabole de décadence condamnée en se concentrant sur une famille de la haute société, en l'occurrence le clan von Essenbeck, qui tire sa richesse et son influence de un empire sidérurgique. Avant son assassinat et la reprise de l'entreprise par Friedrich (Dirk Bogarde), l'amant de l'ascension sociale de sa fille veuve Sophie (Ingrid Thulin), le vieux baron avait fait des affaires équitables avec les nazis. Mais en la personne de l'officier SS Aschenbach (Helmut Griem), le parti voit une occasion après sa mort de prendre le contrôle total des aciéries dont ils ont besoin pour leur programme de remilitarisation massif. Manœuvrant les membres de la famille le long des lignes de faille de leurs jalousies et déviances internes myopes, Aschenbach apparaît comme le marionnettiste du film, mais c'est Martin (Helmut Berger), Le fils incestueux, travesti et agresseur d'enfants de Sophie, qui apparaît comme son personnage le plus inoubliable (Umberto Orsini et Charlotte Rampling figurent également comme les seuls «bons» membres de la famille, qui paient naturellement le prix ultime pour leur décence relative). Il s'agit d'un film extraordinairement effrayant, se frottant même à des événements historiques réels en mettant en scène la soi-disant «Nuit des longs couteaux» comme une orgie nazie gay qui se transforme brusquement en un Sam Peckinpahbain de sang de style. Mais le camp inhérent à une grande partie de l'imagerie, et même la réalisation de films parfois bruyants et zoom-zoom se transforme en quelque sorte en une œuvre vraiment remarquable, un film qui incarne les thèmes récurrents de Visconti de l'autodestruction et de la haine de soi (en particulier pour le classes supérieures réactionnaires et intéressées) peut-être mieux que tout autre de ses titres. Ceci est un portrait de la décadence conduisant à une décadence morale personnelle et publique si absolue qu'elle est pratiquement apocalyptique, ce qui pourrait sembler exagéré si nous ne savions rien de l'apocalypse morale absolue qui allait se produire sous la forme de la Seconde Guerre mondiale.
'Mort à Venise' / 'Mort à Venise' (1971)
L’adaptation de Visconti Thomas MannLa nouvelle du désir homosexuel condamné et non consommé sur fond de grandeur décadente qu'était Venise en 1912, est un point de contact si célèbre qu'il ne peut être ignoré sur aucune liste de ses films essentiels, mais cela ne doit pas nécessairement être pris comme une approbation retentissante. En fait, le film peut également être considéré comme l'incarnation de tout ce qui est rebutant dans l'œuvre de Visconti. En dépit de peser comme l'un de ses courts métrages (130 minutes), il peut se sentir indûment trop long, s'attardant sur de brefs moments si lourdement qu'un regard momentané peut devenir pesant et pas un peu précieux. Cela est en partie dû à la difficulté d'obtenir tout type d'achat sur un personnage aussi boutonné que Dirk BogardeAschenbach est là: tout en changeant la profession du personnage d’écrivain (dans la nouvelle) au compositeur, Visconti espérait peut-être le rendre plus cinématographique (et certains Mahler morceaux sont utilisés à bon escient), en fait, cela met la psychologie d'Aschenbach encore plus hors de notre portée. Ou peut-être est-ce plutôt que nous pouvons le comprendre trop facilement, mais la réserve rigide de la performance et le rythme langoureux nous donnent très peu de raisons de nous en soucier. Raconté dans des plans statiques soigneusement composés et des casseroles pâles, la croûte supérieure Aschenbach se rend au Lido de Venise pour des raisons de santé, où il se fixe érotiquement sur un jeune garçon polonais, Tadzio (Bjorn Andresen). Il semble que l'homme plus âgé, en mauvaise santé, perd sa vigueur et son apparence (d'où le ruisseau grotesque de teinture pour les cheveux noirs qui coule sur son visage mortellement blanc alors qu'il meurt) voit en Tadzio non seulement tout ce qu'il désire secrètement, mais tout ce qu'il a une fois était. La texture de fond est cependant plus intéressante: Venise est en proie à une épidémie de choléra que les habitants cachent aux touristes vache à lait comme Aschenbach - un détail fascinant qui ajoute au sens limbo-like des derniers jours de l'homme comme se déroulant dans une zone de quarantaine étrange entre la vie et la mort, entre la beauté et la pourriture, entre le paradis et l'enfer. Ce n'est guère Visconti d'entrée de gamme, et cela peut s'avérer une expérience trop exsangue pour certains, mais c'est probablement en tant qu'étude de ce type de liminalité que 'Death in Venice' fonctionne le mieux.
Suggestions pour une surveillance plus approfondie:
Cet échantillonneur n'est vraiment que cela, et il y a ceux qui feront sans aucun doute valoir les mérites de l'un des six autres longs métrages de Visconti comme méritant d'être inclus ici. Cependant, les deux autres titres que j'étais le plus proche d'inclure provenaient de l'une ou l'autre fin de sa carrière: celle de 1952 'Maginifique», Un titre de comédie inhabituel pour Visconti, avec une belle réplique de satire à l'intérieur du baseball dans laquelle Anna Magnani joue une mère déterminée à faire entrer sa fille dans les films; et son tout dernier film, « The Innocent», Un mélodrame d'époque sorti l'année de sa mort en 1976.
Mais faites-le-nous savoir dans les commentaires sur vos films Visconti préférés, ou même sur des moments (il y a tellement de scènes et de plans remarquables dans tous ses films), ou prenez-moi à la tâche sur l'une de mes interprétations des titres ci-dessus.
