Pourquoi le «Mood Indigo» de Michel Gondry est meilleur que par le passé
Quinze mois après sa première dans sa France natale, le public américain pourra enfin découvrir «Mood Indigo», l'adaptation du roman de Boris Vian de 1947 «Froth on a Daydream» réalisé par Michel Gondry («Eternal Sunshine of the Spotless Mind») .
Dans un monde où de nombreux films, ou du moins ceux réalisés par des réalisateurs de renom, sont sortis à travers le monde en l'espace de quelques semaines, cela semble être un temps inhabituellement long à attendre. Mais il y a une sorte d'explication: le film sorti aux États-Unis n'est pas la version originale qui a eu une sortie en salles en avril 2013 en France - qui a duré 130 minutes - mais plutôt une «version internationale» allégée et recoupée, supervisée par Rédacteur d'origine indienne Tariq Anwar («American Beauty», «The King's Speech»), qui ne dure que 90 minutes.
Je suis le premier à admettre que je préférerais que la plupart des réalisateurs aient le montage final, car la possibilité que les producteurs ou les distributeurs interfèrent avec le contenu artistiquement logique ou nécessaire qui pourrait avoir un impact potentiel sur les résultats du film est souvent présente. Les histoires sur Harvey «Scissorhands» Weinstein et ses demandes de recoupes sont légendaires; cette année, il a voulu interférer avec le film d'ouverture de Cannes «Grace of Monaco» et «Snowpiercer», deux films de langue anglaise qui pourraient potentiellement plaire à la foule dans leurs genres respectifs. Les réalisateurs des deux films rechignèrent.
Mais il y a des cas où une taille sévère peut faire une énorme différence de manière positive, et c'est absolument le cas pour «Mood Indigo», un film de langue française si fantaisiste et bourré de chevrons avec le bricolage décalé de Gondry esthétique - comme on le voit dans ses clips et films tels que 'Be Kind Rewind' et 'The Science of Sleep' - que dans la version originale, l'histoire s'est souvent perdue au milieu des décors inventifs.
Pour leur coupe beaucoup plus maigre, Anwar et Gondry ont rasé 40 minutes, mais au lieu de se sentir comme une version tronquée de l'original, cette nouvelle coupe met l'histoire et les personnages au centre, où ils appartiennent clairement, tout en reléguant le un design de production époustouflant et potentiellement distrayant, des costumes et des envolées (souvent animées en stop-motion) de l'arrière-plan.
Le roman de Vian n'est pas exactement ce que l'on qualifierait de réaliste et il semble que Gondry aurait initialement utilisé cela comme une excuse pour se livrer à plusieurs apartés colorés (beaucoup d'entre eux, il faut le dire, imaginés à l'origine, au moins dans une phrase ou deux, par Vian lui-même). 'Daydream' raconte l'histoire d'un célibataire et riche gentleman, Colin (Romain Duris, de 'The Beat that My Heart Skipped'), qui tombe amoureux d'une belle fille, Chloé ('Amelie's' Audrey Tautou), qu'il a finalement se marie. Mais leur bonheur post-conjugal est écourté lorsque, pendant leur lune de miel, un nénuphar commence à pousser dans le poumon droit de Chloé - je vous ai dit que ce n'était pas réaliste - et qu'elle doit être entourée de fleurs fraîches pour éviter de se flétrir, ce qui s'avère si coûteux que Colin doit trouver un travail subalterne. 
Si l'idée d'une pharmacie où les carottes argentées sont transformées en pilules par un engin à moitié machine et à moitié lapin ressemble à quelque chose d'insupportablement décalé et twee, alors vous n'aimerez pas cette version mieux que la précédente. Mais pour ceux qui sont ouverts à des envies de fantaisie constantes qui sont maintenant le fond imaginatif et souvent amusant d'une histoire d'amour inhabituelle, cette nouvelle coupe est une énorme amélioration.
Une scène comme une conférence spéciale du philosophe Jean-Sol Partre (Philippe Torreton, jouant quelqu'un clairement inspiré par Jean-Paul Sartre) que le meilleur ami et lecteur vorace de Colin, Chick (Gad Elmaleh), assiste avec sa petite amie folle de philosophie, Alise (Aissa Maiga), était une pièce maîtresse qui a duré des minutes dans l'original mais qui passe ici en quelques secondes, avec la foule immense et les machines de scène compliquées - qui comprend une sorte de réservoir en forme d'éléphant et une pipe à cigare surdimensionnée d'où Partre prêche - à peine entrevu au lieu de l'avant et du centre.
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La focalisation plus étroite sur les humains qui peuplent le récit profite également aux personnages de soutien, qui, dans la version plus longue, n'apparaissaient parfois que pour disparaître chaque fois que la pyrotechnie audiovisuelle fantaisiste prenait le dessus. Mais ici, le casting de soutien se sent plus élémentaire de l'histoire et, en particulier, de l'univers de Vian et Gondry. Le rôle que Chick et Alise jouent en préfigurant à la fois certains thèmes primordiaux et l'histoire de Colin et Chloé en particulier était quelque chose qui était presque complètement perdu dans la coupe originale.
Plus généralement, la première version semblait souvent distante et froide sur le plan émotionnel, alors que les personnages jouaient le deuxième violon du pays des merveilles visuellement fou qu'ils habitaient. Maintenant, les personnages ont des arcs d'histoire et des voyages émotionnels qui se produisent juste dans une version très fantaisiste du monde que nous connaissons.
L'un des thèmes principaux du travail de Vian est la façon dont nos sentiments et nos émotions façonnent le monde qui nous entoure. Gondry essaie clairement de traduire les émotions des personnages en sons ou en visuels. Chloé, par exemple, tire son nom du morceau éponyme de Duke Ellington, et le jazz joue un rôle majeur dans l'histoire.
À bien des égards, le style du roman lui-même est comparable à la façon dont les musiciens de jazz formés aiment improviser autour de thèmes établis et à l'écran, à la recherche de la meilleure façon d'exprimer des sentiments et des idées de manière non verbale et Gondry essaie de faire quelque chose de similaire. 
Par exemple, les pièces rectangulaires de la maison de Colin sont devenues rondes à cause d'une chanson de Duke Ellington qui a été jouée, et à mesure que la maladie de Chloé s'aggrave, les pièces rétrécissent littéralement et deviennent vides de couleur jusqu'à ce que, à la fin du film, tout soit pratiquement en noir -et blanc. Cette musique peut être associée à la mort est également suggérée lorsque le médecin de Chloé (joué par Gondry lui-même dans un choix de casting très étrange) entend de la musique provenant de son poumon droit infecté.
Certaines des connotations politiques de l'histoire sont également plus claires maintenant - rappelez-vous que le roman n'a été publié que deux ans après la Seconde Guerre mondiale - avec le riche Colin, sans le sou par une tragédie, devant rejoindre le marché du travail. L'une des séquences les plus délicieuses (si maintenant très courtes) du film voit Colin introduit dans la mystérieuse salle d'écriture où l'histoire de Colin est en train d'être écrite (on peut voir ici une touche de l'ancien partenaire de Gondry, Charlie Kaufman, ce qui suggère pourquoi Gondry pourrait être un bon ajustement pour le matériau).
Les scènes de la salle d'écriture ont été filmées au siège du Parti communiste à Paris, conçues de manière saisissante par Oscar Niemeyer, ce qui renforce encore les références du film au travail et à une répartition égale des biens et qui semble littéralement suggérer que le travail (et l'argent gagné grâce au travail) peut nous donner les outils pour influencer sa propre histoire de vie.
Des lectures assez détaillées telles que celles-ci étaient pratiquement impossibles dans la version longue, car les sentiments et les idées étaient perdus derrière un écran de fumée d'épanouissements visuels qui - dans la précédente incarnation du film - semblaient exciter Gondry beaucoup plus que l'histoire. Parfois, moins, c'est bien plus.
Catégorie B
«Mood Indigo» s'ouvre aujourd'hui en version limitée. Parcourez les réactions des autres critiques sur le réseau Criticwire.